domingo, diciembre 28, 2008

Cómo atender la diversidad en el aula

En una clase el maestro se encontrará con alumnos muy diferentes, desde el punto de vista intelectual, psíquico, social, cultural, religioso, étnico y económico. A eso se le llama de diversidad, concepto que transcribo a continuación:

“La diversidad es una característica de la conducta y condición humana que se manifiesta en el comportamiento y modo de vida de los individuos, así como en sus modos y maneras de pensar, circunstancia esta que se da en todos los niveles evolutivos de la vida y en todas las situaciones. Esta diversidad tiene amplia repercusión en las aulas, puesto que en ese escenario educativo se dan de forma continua y permanente manifestaciones de la diversidad de los alumnos que las conforman”.1

Pero muchas veces los docentes o el Sistema Educativo en sí no tienen en cuenta esas catacterísticas que forman parte de la realidad del aula y de la escuela, allí es cuando vemos a niños como el del video de “Cuca y Quique”, que se sienten perdidos, incomprendidos y tristes.



¿Por qué sucede eso? Varias pueden ser las razones:

Clases superpobladas, donde el docente no puede atender a tanta diversidad.
Falta de equipo Multidisciplinario, que apoye al docente en su trabajo.
Modelo Pedagógico transmisivo, que la enseñanza se base sólo en el trasmitir conocimientos y donde el papel relevante es el del docente.
Falta de perfeccionamiento por parte de los maestros.
Poco o nada de apoyo por parte de las familias.
En este artículo trataremos el tema a nivel de aula, ¿cómo atender a la diversidad en el aula? ¿Cómo planificar atendiendo a la diversidad?
Primero lo importante es hacer un buen diagnóstico de clase, que nos permita tener un conocimiento bastante completo de nuestros alumnos. Un diagnóstico que tenga en cuenta el desarrollo físico, psicomotor, socioafectivo, étnico y cognoscitivo. Para lograr conocer todos estos aspectos tenemos que utilizar varios instrumentos: fichas con preguntas para el hogar, entrevista familiar y al alumno, sociograma, observación general del alumno (en los distintos ámbitos: en el recreo, en el aula, en la presencia con los familiares, etc) y pruebas. Aquí tienen un link a un diagnóstico de aula bastante completo:

http://www.compartefe.com/index.php?topic=168.msg171

En base a ese diagnóstico planificar, establecer cómo se van a organizar y a adaptar los contenidos, qué estrategias vamos a utilizar, etc…, para responder a esa diversidad.

Si vemos que tenemos varios chicos con problemas de conducta, trataremos de nunca sentarlos juntos, de establecer talleres semanales sobre convivencia, usar la musicoterapia, etc.

En cambio cuando se nos presenta una clase muy desnivelada desde el punto de vista cognitivo, es conveniente plantear un sistema de fichas. Crear unas fichas con actividades complementarias es conveniente porque así los niños que terminan rápido y bien los trabajos, no molestan a los demás y permiten que el docente pueda dedicarle más tiempo a los niños con dificultades. Ejemplos de fichas: podemos armar fichas con problemas lógicos, con actividades que mejoren la atención del niño (laberintos, sopa de letras, cucigramas, etc), con actividades en valores (lecturas que traten sobre diferentes valores y cuestionarios sobre las mismas, imágenes en las cuales tengan que descubrir que actitudes están equivocadas, etc)…

También vamos a encontrarnos con niños que tengan TDA/H, dislexia, autismo, discalculia y otras disfunciones, en esos caso tendremos que buscar información sobre cuáles son los ejercicios adecuados para esos niños y plantear trabajos personalizados.

Una vez tuve una niña con dificultades del aprendizaje en el área de la comprensión del lenguaje, que había repetido 3 veces primero y la pasaron a mitad de año para mi clase de segundo, sin todavía tener la capacidad de reconocer las letras. Entonces,como es evidente, al principio se sintió muy triste porque no lograba hacer, ni terminar las actividades que planteaba. Un día vino la madre a decirme lo que le había dicho la niña, que no se sentía bien porque no lograba terminar los trabajos.

Ahí fue cuando evalué mi postura y mi planificación y decidí sentarla en frente a mi y traerle de casa trabajos especialmente planificados para ella. Con el tiempo su autoestima mejoró y también su dificultad y la madre vino toda contenta, a decirme que su hija estaba muy feliz porque ahora si podía trabajar.

Hay quien dice que los maestros tenemos un trabajo fácil y que todavía tenemos vacaciones de tres meses pero realmente están equivocados. Los maestros que nos tomamos nuestra profesión en serio, nos pasamos después del aula como 5 horas o más para planificar, investigar y corregir. Horas que no son pagas, que lo hacemos por amor a esos niños y a nuestra profesión.

Sin duda que para atender bien a la diversidad los docentes tenemos que saber de todo un poco (psicología, evaluación, contenido disciplinar, tecnología, etc) y estar todo el tiempo evaluándonos.

Por: Pamela Ferreira
http://www.surcultural.info/2008/06/como-atender-a-la-diversidad-en-el-aula/

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miércoles, diciembre 03, 2008

Musicoterapia, autismo, TGD y necesidades especiales.

La musicoterapia es el uso de la música para mejorar el funcionamiento físico, psicológico, intelectual o social de personas que tienen problemas de salud o educativos.

La musicoterapia puede ser definida como “…un proceso de intervención sistemática, en el cual el terapeuta ayuda al paciente a obtener la salud a través de experimentaciones musicales y de las relaciones que se desarrollan a través de ellas con las fuerzas dinámicas para el cambio”. (Bruscia 1998)

¿A quién beneficia la musicotererapia?

A niños con:

Dificultades en el aprendizaje

Problemas de conducta

Niños con deficiencia mental

Con dificultades de socialización

Con baja autoestima

Con trastornos médicos crónicos y/o degenerativos (cáncer, cardiopatías...)

Trastornos profundos del desarrollo (AUTISMO)

Los objetivos de la musicoterapia

El objetivo incluye la comunicación, así como las habilidades cognitivas, motrices, emocionales y sociales.

La música puede utilizarse de diferentes maneras para enfocar los objetivos. Por ejemplo, puede usarse como una estructura para la actividad física, como un trasportador de la información, como un motivador, como un medio de auto-expresión, DE COMUNICACIÓN, así como de una experiencia social.

La musicoterapia en el autismo

La EFECTIVIDAD de la musicoterapia se debe en parte al hecho de que la mayoría de los niños con autismo responden de alguna manera al estímulo musical. Un estudio realizado por De-Meyer en 1974, en el cual entrevistaron a familiares, demostró que a un 76% de los niños con autismo les encanta escuchar música.

Debido a que la música en sí es una forma de comunicación no verbal, el niño puede motivarse para que aprenda a relacionarse primero en un nivel musical. Al principio, puede que el niño responda y se relacione únicamente con las formas y sonidos de ciertos instrumentos y objetos dentro del ambiente musical.

Quizá el niño toque los timbales bien fuerte, luego pare por un momento a escuchar o a sentir las vibraciones que ha provocado. Lo mas probable es que el niño ignore la presencia del terapeuta o puede que le de una “pataleta” cuando el terapeuta trate de participar con él en una experiencia musical.

De acuerdo con Almin (1978) dos de los resultados positivos de este método son:

El desarrollo del conocimiento perceptual y motriz.

La habilidad de producir sonidos en libertad completa dentro de un ambiente seguro.

A medida que el estudiante comience a sentirse más a gusto dentro de este ambiente, el terapeuta comienza a establecer contacto con el niño. Por ejemplo, él puede reproducir en el piano los mismos sonidos que el niño está tocando el instrumento musical. La terapeuta deja de tocar y después de un tiempo empieza otra vez a tocar utilizando el mismo ritmo que utiliza el alumno. Entonces podrá ocurrir El CONTACTO si el niño mira al terapeuta, dándose cuenta de que cuando él/ella deja de tocar el instrumento el terapeuta también lo hará. El niño puede tocar durante unos segundos y parar de nuevo para ver si el terapeuta también hace lo mismo. De esta manera el niño aprende a reconocer que el terapeuta es importante y acepta su presencia y participación. Estos son los primeros pasos utilizados para ayudar al chico a desarrollar relaciones interpersonales.
En los siguientes pasos, el terapeuta encaminará al niño/a a que dé un paso más, trabajando su creación musical en una melodía y añadiendo letra. De esta forma, el terapeuta le hará prestar atención al seguir las señales musicales y verbales, y entonces, dejar de tocar cuando le digan.
Las terapeutas logran crear un ambiente de aceptación donde un nuevo crecimiento puede ocurrir.

Fuente: http://retrasomadurativo.mforos.com/912175/6262319-musicoterapia-como-terapia-para-ninos-tgd/

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sábado, octubre 25, 2008

Desarrollo Auditivo en el Método de Willems

Universidad Técnica Particular de Loja
EDUCACION INFANTIL
Expresión Musical
I Bimestre
2008
Ponente: Lic. Mónica Ludeña
Desarrollo Auditivo en el Método de Willems
-Planteamientos Teoricos
-Relaciones y Diferencias entre a Musicalidad y el Virtuosismo
-El Sonido
-La Audición
-Recomendaciones y Actitudes del Pedagogo
-Concideraciones Filosóficas



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jueves, octubre 16, 2008

Do Re Mi

Si quieren cantar algún día
Hay que_aprender a solfear
Si se empieza a leer por A-B-C
Al cantar son tres notas Do-Re-Mi, Do-Re-Mi
Do-re-mi, verán que fácil aprenderán, do-re-mi, do-re-mi, do-re-mi-fa-sol-la-si..
Muy bien, ahora se los hará mucho más fácil..

Coro:
Do_minemos nuestra voz..
Re_pitiendo sin cesar..
Mi lección se_entiende ya..
Fá_cil es poder cantar..
Sol_taremos a volar..
La paloma de la voz..
Si sabemos bien_solfear..
Volveremos siempre al do.
Do re mi fa sol la si do..

Muy bien! Ahora veamos las notas salteadas
Sol do la fa mi do re
Ahora ustedes, Sol do la fa mi do re
Sol do la si do re do, Sol do la si do re do,
Eso es! Ahora juntemos todo: Sol do la fa mi do re,
Sol do la si do re do,
Pero eso no quiere decir nada, no es una canción
Es que ahora le pondremos palabras, una palabra por cada nota..
Si queremos bien cantar..aprendamos a_solfear (bis)

Coro:

Do re mi fa sol la si do, do si la sol fa mi re do
Do mi mi, mi sol sol, re fa fa, la si si (bis)
Si queremos bien cantar..aprendamos a_solfear

Coro:
..
Volveremos siempre al do.
Do re mi fa sol la si do, do, si la sol fa mi re do. Sol_do!



Letra original, en inglés:

Let’s start at the very beginning
A very good place to start
When you read you begin with A-B-C
When you sing you begin with do-re-mi

Do-re-mi, do-re-mi
The first three notes just happen to be
Do-re-mi, do-re-mi

[Maria:]
Do-re-mi-fa-so-la-ti
[spoken]
Let’s see if I can make it easy

Doe, a deer, a female deer
Ray, a drop of golden sun
Me, a name I call myself
Far, a long, long way to run
Sew, a needle pulling thread
La, a note to follow Sew
Tea, a drink with jam and bread
That will bring us back to Do (oh-oh-oh)

[Maria and Children:]
[Repeat above verse twice]

[Maria:]
Do-re-mi-fa-so-la-ti-do
So-do!

[Maria: (spoken)]
Now children, do-re-mi-fa-so and so on
are only the tools we use to build a song.
Once you have these notes in your heads,
you can sing a million different tunes by mixing them up.
Like this.

So Do La Fa Mi Do Re
[spoken]
Can you do that?
[Children:]
So Do La Fa Mi Do Re
[Maria:]
So Do La Ti Do Re Do
[Children:]
So Do La Ti Do Re Do
[Maria:]
[spoken]
Now, put it all together.

[Maria and Children:]
So Do La Fa Mi Do Re, So Do La Ti Do Re Do
[Maria:]
[spoken]
Good!
[Brigitta:]
[spoken]
But it doesn’t mean anything.
[Maria:]
[spoken]
So we put in words. One word for every note. Like this.

When you know the notes to sing
You can sing most anything
[spoken]
Together!

[Maria and Children:]
When you know the notes to sing
You can sing most anything

Doe, a deer, a female deer
Ray, a drop of golden sun
Me, a name I call myself
Far, a long, long way to run
Sew, a needle pulling thread
La, a note to follow Sew
Tea, a drink with jam and bread
That will bring us back to Do

Do Re Mi Fa So La Ti Do
Do Ti La So Fa Mi Re

[Children:]
Do Mi Mi
Mi So So
Re Fa Fa
La Ti Ti
[Repeat above verse 4x as Maria sings]

[Maria:]
When you know the notes to sing
You can sing most anything

[Maria and Children:]
Doe, a deer, a female deer
Ray, a drop of golden sun
Me, a name I call myself
Far, a long, long way to run
Sew, a needle pulling thread
La, a note to follow Sew
Tea, a drink with jam and bread
That will bring us back to

[Maria:]
[Children:]

Do . . . So Do
Re . . . La Fa
Mi . . . Mi Do
Fa . . . Re
So . . . So Do
La . . . La Fa
Ti . . . La So Fa Mi Re
Ti Do - oh - oh Ti Do — So Do

De la Película The Sound of Music, traducida en Latinoamérica como "La Novicia Rebelde" y en España como "Sonrisas y Lágrimas"

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miércoles, octubre 01, 2008

La música es una cosa visible.

La primera impresión es lo que cuenta, y a veces ésta nos llega exclusivamente a través de los ojos. Luces, colores, expresiones, reposo y movimiento… muchas cosas pueden llegar a maravillarnos, cuando el silencio está presente. Lo que no puede faltar en estos casos es la satisfacción.

Un ave puede intentar volar, así como una persona sorda puede intentar tocar el violín.
¿No es una cosa loca?


¿A quién se le ocurre semejante disparate? Si para un ave lo natural es volar, es parte de su modo de vida, sin ello casi dejaría de ser lo que es; un ave. Entonces, ¿Cómo puede considerarse interpretar música a una persona que no escucha, que no puede percibir los sonidos como los demás?

¿Por qué mejor no aprender otra cosa?

La naturaleza humana tiene extrañas manifestaciones, a veces la subestimamos demasiado. No valoramos lo que es capaz de hacer alguien cuando algo le gusta realmente. El límite es el cielo, cuando decide el corazón.

Haces que todos a tu alrededor pierdan el tiempo.

No creo que sea fácil para alguién poder alcanzar una meta como quienes le rodean, cuando no se tienen a mano los mismos recursos, ni desarrolladas las mismas aptitudes ni facilidades. Es allí cuando toma un papel protagónico el apoyo, el respeto, la confianza, las ganas de que entre todos podamos lograr lo que uno del grupo necesita. Si el tiempo es de todos, el esfuerzo y el ánimo también lo son.

¿Por qué soy diferente a los demás?

La exclusión causa grandes y profundas heridas, difíciles de sanar. Es tal vez una de las actitudes más dañinas de un ser humano hacia otro; va contra la naturaleza misma del hombre, que en todo contexto es social. Ser diferente puede ser un gran peso, cuando la carga de los demás se posa sobre una sola persona. Pero en realidad no es ésta la pregunta que se debe responder.

¿Por qué tienes que ser igual a los demás?

Es aquí cuando debes aprender a reconocer y aprovechar tus ventajas y fortalezas, que pueden ser infinitas, sólo que las desconoces. Nunca te debes comprar con otro; siempre habrá grandes diferencias y no te sentirás conforme. Cuando encuentras que alguien puede ser mucho menos que tú, también significa que en algún lugar alguien te supera en creces. Has de ser tú mismo, siempre, y serlo al máximo. Cuando se trata de la música, muchos llevan como un estigma el no poder cantar como un profesional, o ejecutar un instrumento con la destreza de un maestro. La música está hecha para disfrutarla, y disfrutarla al máximo, no para sufrirla. Todos tenemos la bendición de la música en nuestro interior… sólo necesitas encontrarla y compartirla.

La Música es una cosa visible. Cierra tus ojos, y la verás…!!!



Excelente comercial de Pantene Chrisalys.


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jueves, septiembre 25, 2008

Manifestaciones Artisticas

Manifestaciones artísticas: Correspondencia, interrelaciones y diferencia entre las artes.
Al hablar de las manifestaciones artísticas, tendríamos la necesidad de remontarnos a tiempos muy lejanos. Desde la existencia del hombre, este sintió el deseo de expresarse aún con la falta de materiales y métodos sofisticados como los que contamos en la actualidad. Este tipo de expresiones espontáneas y naturales dieron paso a las primeras manifestaciones creadas por el ser humano. Desde cualquier punto de la Tierra, se pueden observar gran cantidad de pinturas, esculturas etc., que según los expertos en el área, representan al arte como sistema socializador, la religión, la guerra y en general la vida cotidiana de cada uno de esos pueblos. La utilización de materiales al alcance de su mano y la experimentación fueron desarrollando nuevas y novedosas técnicas en la creación de lo que conformaría las bases de sus respectivas culturas integradas a través de las artes en sus diferentes formas.
Las manifestaciones artísticas se observan desde infinidad de puntos de vista, resulta conveniente detenernos un poco y clarificar cada una de ellas, con la finalidad de tener una idea más detallado y específica de los conceptos. La pintura, danza, teatro, escultura, el dibujo, la música, literatura, arquitectura etc. forman parte de las manifestaciones artísticas del ser humano. En el caso de la pintura, desde sus inicios la mayoría de ellas son pinturas rupestres de color rojo que era el único color conocido para ese entonces, figuras humanas y de animales representando la cotidianidad de los pueblos (la caza, la guerra, etc.), aunque no se tiene una idea concreta de la forma de vivir de estos primeros pobladores, las pinturas, someramente nos ayudan a conocer la manera en que convivían estos hombres. A medida que el ser humano evoluciona, igualmente evolucionan en sus manifestaciones artísticas y la combinación de estas artes ha producido que las nuevas generaciones formaran nuevas técnicas en el desarrollo de las expresiones artísticas. Nuestro gran ejemplo lo representa la civilización griega, quien nos heredó gran parte de este tesoro. El teatro, la música, las matemáticas, la arquitectura entre otras, las cuales aun se representan en la actualidad. Antes de cualquier otra ocupación en la antigua Grecia, la música era de suma importancia en el desarrollo de un ciudadano integral.
Más cercanamente, se tienen las manifestaciones artísticas y culturales de Venezuela. El arte popular comprende todas las manifestaciones creadoras de un pueblo, atendiendo al sentir y sus necesidades especiales. La influencia de diferentes culturas en el arte venezolano es evidente, la cultura indígena, la cultura africana, la española y mas recientemente la europea (alemana, francesa, italiana, entre otras) se han fusionado y desarrollado una cultura popular rica y variada. Por consiguiente la elaboración de objetos y las festividades de cada uno de nuestras regiones tienen relación con este degradé de diferentes culturas. En particular los objetos artesanales de nuestro país son de gran valor y uso a nivel nacional e internacional. Su confección es de fina calidad. Objetos de variados colores y elaborados con materiales de cada región (sisal, moriche, arcilla, barro, barbotina, caolín, entre otros). La música se destaca ampliamente, la construcción de instrumentos unos más sencillos que otros; pero adaptados a las necesidades de los pueblos. En el caso de los pueblos indígenas, sus instrumentos musicales sencillos; pero con un sonido diáfano y hermoso, en los llanos venezolanos el cuatro, las maracas, la mandolina; muchos de ellos, heredados de nuestros ancestros españoles, acompañan las diferentes actividades del quehacer llanero. Los tambores en los pueblos de la costa, con sus diferentes tamaños y sonoridades expresan la manera de pensar del costeño, otro sentir los embarga y trae a colación las vivencias de sus antepasados esclavos. Cada una de las regiones de nuestro hermoso país representa un tesoro indescriptible y de gran valía.

Correspondencia de las festividades tradicionales de Venezuela.

La tradición popular venezolana representada en sus festividades, muchas de ellas de origen religioso, se ven reflejadas en las celebraciones que durante todo el año realizan las diferentes poblaciones. Entre ellas se encuentran: Las fiestas patronales y celebraciones:
- En Margarita (Estado Nueva Esparta), las dedicadas a la Virgen del Valle en la población del Valle del Espíritu Santo entre el 8 y 15 de Septiembre. Acompañados con (polos, jotas, malagueñas, galerones, fulías), música característica de la zona oriental del país.
- El Velorio de Cruz de Mayo, se realiza desde el 3 de Mayo con características diferentes en cada región. Es la veneración de la Cruz de Mayo, se celebran en su honor ceremonias que son organizadas por organizaciones o cofradías o por iniciativa particular.
- Las Diversiones, conocidas por este nombre, son cantos de corte humorístico, practicados en casi todo el país, éstas son: El Pájaro Guarandol, El Sebucán, La Burriquita, El Chiriguare, La Culebra y el Carite. Esta celebración se lleva a cabo entre el 16 de Diciembre y el 6 de Enero.
- Los Carnavales en todo el territorio nacional, muy conocidos los del Callao y Carúpano. En el mes de Febrero.
- Los Diablos de Yare: Los Diablos Danzantes, una expresión de la cultura popular venezolana, que se celebra en diversas poblaciones del país. La fiesta de los Diablos Danzantes de San Francisco de Paula de Yare, la más reconocida, se celebra en el Distrito Lander del estado Miranda, en el mes de Marzo. Su historia se remonta a la época colonial.
- Locos y Locainas: Una danza bailada el 28 de Diciembre en conmemoración del Día de los Santos Inocentes, de espaldas a la iglesia, al son de pitos y cachos, latas, maracas y cuatro.
- La Paradura del Niño: El los pueblos del estado Trujillo, Mérida y Táchira. Se realiza en los meses de Diciembre y Enero.
- El Baile de los Enanos y la Muñeca de la Calenda en el Estado Trujillo: Manifestación originaria del Distrito Trujillo, según la versión de viejos moradores, es una danza pagana que celebraban los indios que poblaban lo que hoy se conoce como San Lázaro y Santiago. Se celebra en el mes de agosto.
Como éstas, existe diversidad de celebraciones en nuestro pueblo, destacamos las más importantes y conocidas. Valdría la pena ahondar un poco más y salvar muchas de las que se encuentran en peligro de extinción.

Interrelaciones y diferencias entre las artes

Las artes pueden clasificarse de diferentes maneras:
Las Artes Auditivas, las Artes Visuales, Literatura, y las Artes Mixtas (que en este caso, sería la interrelación entre ellas).
Las Artes Auditivas: Incluyen todas las artes del sonido, que para todas las finalidades prácticas, utiliza música. La música consta de tonos musicales, es decir sonidos de un tono determinado, junto con sus silencios, presentados en un orden sucesivo.
Las Artes Visuales: Incluyen todas aquellas artes que constan, fenomenalmente, de percepciones visuales. Su reclamo se dirige primariamente a la vista, aunque no exclusivamente, porque algunas pueden estimular el sentido del tacto. Las Artes Visuales incluyen gran variedad de géneros: Pintura, escultura, arquitectura, y virtualmente todas las artes útiles.
La Literatura: Es mucho más difícil de clarificar. Indudablemente, no es un arte visual, de hecho un poema no necesita ser escrito. Tampoco es un arte auditivo.
Ocurre a menudo, que el efecto de un poema aumenta cuando es leído en voz alta; Pero su valor no disminuye cuando no es leído así, ni precisa ser leído en voz alta para actuar como poema. Si la literatura fuese un arte auditivo, pertenecería al arte de la música; y para un auditorio entendido, el placer de la poesía difícilmente puede compararse con el de las composiciones musicales.
La manera en que se relacionan las artes está dada por el siguiente aspecto:
Existen las Artes Mixtas, las cuales incluyen todas aquellas artes que combinan uno o más de las anteriores artes descritas. Así, La ópera mezcla la música, las palabras e imágenes visuales, aunque con el predominio de la música. Las representaciones teatrales combinan el arte literario con la habilidad escénica y las imágenes visuales.
En el caso de la danza, predomina generalmente lo visual, mientras que la música sirve de acompañamiento. En el cine están presentes todos los elementos.
El tipo de trabajo que cada arte pueda realizar depende primariamente de la naturaleza del medio. Así artes visuales son artes del espacio, y pueden reproducir el aspecto visual o apariencia de objetos mucho mejor que cualquier descripción.
Por otra parte, no pueden representar el movimiento, sucesión de actos en el tiempo; esto puede hacerlo la literatura, donde el orden de los elementos en el medio es temporalmente secuencial. En una obra pictórica nuestro orden es secuencial porque podemos concentrarnos ahora en una parte y después en otra. Si embargo, el cuadro entero se halla ante nosotros todo el tiempo, y no se nos impone ningún orden para contemplarlo. En el caso de la escultura su contemplación depende a menudo de la dirección que sigamos al movernos en torno a ella; y al no poder contemplar el objeto de manera tridimensional, el aspecto temporal es más importante que en la pintura.
La música está inseparablemente vinculada al orden temporal de los tonos como en la literatura de las palabras; no podemos invertir el orden de los tonos en una melodía al igual que no podemos invertir el orden de dos palabras en una frase.
Finalmente, se puede agregar el hecho de que, las manifestaciones artísticas están presentes en la naturaleza, quien ha fungido de ejemplo para crear la gran cantidad de modalidades artísticas conocidas hasta el momento. El cielo azul, los árboles, los animales, las montañas, el mar, el sol y el mismo ser humano constituyen una gran obra artística creada por el ser supremo, para quienes creemos que exista. Independientemente de esta situación, lo importante es que esas manifestaciones existen y el hombre con su curiosidad ha logrado plasmarlas de alguna manera.
El arte es cambiante, esperemos que a futuro logremos desentrañar aún más la esencia y lograr el fusionamiento con la finalidad de establecer un plano de sublimidad que esté en consonancia con nuestro espacio, y un desarrollo que nos permita vivir libremente con todo nuestro entorno.

Referencias:

Centro de Arte y Educación Pepe Cáceres..

Fraticola, P. (2005). Estética, historia y fundamentos.

Gobierno Bolivariano de Venezuela (2006) Manifestaciones artísticas y culturales de Venezuela.


Por: Henry Quintero

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sábado, septiembre 20, 2008

La Tonada hecha Hombre

José Gerardo Guarisma Álvarez
Rector de la Universidad Bicentenaria de Aragua.

La sabana venezolana pareciera en lontananza, un llano mar que se extiende al infinito, “puntero en la soledad”, un silencio que canta, que palabrea un silbido hecho verso, un verso que rema entre rimas un sentimiento fluido como las aguas del río a cuya vera se canta. Un amor sembrado en un ancho lienzo de tierra cálida, donde el espíritu sueña, entre olores de mastranto, el perfume de la vida donde el sentimiento yace, “mi querencia”.
La sabana abrió los ojos entre soles y lunas, en la octava hora del octavo día del octavo mes del calendario de un año veinte tambien octavo , y con los ojos abiertos por la fuerza telúrica de un instante extraordinario, alcanzó a exclamar su nombre cuando un niño brotaba de su vientre ¡ Simón!. Y Simón fue el niño hecho hombre. La piedra angular de la iglesia de nuestro folklore.El alma nacional convertida en manantial de inspiración, en la voz y poesía del extraordinario cantautor que sembró los corazones de su tierra para que cantaran juntos las tonadas del ordeño, y con ellas, enternecieran al continente y su cultura, con un amor que trasciende lo humano en tanto que es el amor hacia y desde la naturaleza, donde aquél se inscribe.
En un año octavo con un veinte precedente, en este 2008 de nuestros días, el hijo mayor de la sabana cumple ochenta años de vida física. Vida fructífera, vida ancha, vida plena, vida en la cual convirtió un mandado a la capital a sus veinte años, en un mandamiento de vida para las próximas generaciones: hagan de sus vidas portentosos ríos a cuyo cauce no se les niegue el agua y hagan de su amistad una sabana, infinita y llana, ancha y diversa, propia en lo ajeno para cobijar el amor de todos, como nido de turpial en el caney convertido en el paraíso del mundo.
Simón Diaz, el tío de todos, el Tío Simón, ha hecho que su música pueble al mundo. Y con ella, esa forma especial de sentir al cantar, cuando se hace cantar a la naturaleza en la voz de todo un pueblo. De allí proviene la fuerza de su arte.Es capaz de convertir el aguacero de las penas en un río que alegre irrumpirá de la montaña luego de un parto de flores y emociones.
La Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación lo distinguirá el próximo 12 de Noviembre con un Grammy Especial, en ceremonia que tendrá lugar
en el Hobby Center for the Performing Arts en la ciudad de Houston. La Academia reconoce de esta forma la pasión y calidad artística del eximio compatriota, cuya música se ha extendido durante varias décadas a lo largo y ancho de muchos países, incrementando el acervo de la música latina en todo el mundo.
En efecto, desde la grabación de su primer disco en el año 1963, ha realizado más de 70 volúmenes a lo largo de su carrera como cantante y compositor. En la memoria colectiva se escuchan consecuentemente sus emblemáticas melodías. “Luna de Margarita”, “La Vaca Mariposa”, “Tonada de Luna Llena”, “Mi Querencia” y “Caballo Viejo” para mencionar algunos de los temas que surgieron de la inspiración de este poeta para deleitar a propios y extraños .
En particular “Caballo Viejo” , una de las canciones venezolanas más famosas en el mundo entero, que ya cuenta con 400 versiones, ha sido traducida a por lo menos 12 idiomas, y entonada por los vocalistas mas renombrados de todos los géneros musicales.
Aún podemos agregar más. Su melodía en ocasiones, se ha desprendido de la voz humana para tomar por voz los acordes de la orquesta sinfónica o los efluvios de la música electrónica del siglo XXI. Esas tonadas van adquiriendo ribetes extraordinarios
ensayando nuevas palabras, nuevos aires, nuevas resonancias que conservan el tronco común de su inspiración.
La música de Simón se encuentra proyectada al entorno universal. Así como el pesebre inspiró a todo el barroco europeo que le cantó y compuso con espectacular grandeza al sencillo aposento inicial del redentor de los hombres, el caney representa el pesebre del llano, el lugar donde se recrea el primero haciéndolo patrimonio de la naturaleza, de la vida, compartiendo con él la belleza de su sencillez, la humildad de su generosa alegría. Porque la grandeza de la música de Simón es que no se apartó de la sencillez cristalina de lo humilde, que supo buscar los acordes a su cuatro de inspiraciones en la flauta de las aves, en el coro de los jóvenes vacunos, en el violín del silbido de una abeja que anuncia la dulzura del panal protegido, o en la sonrisa simulada de envidencias del caimán que ha satisfecho sus deseos.
Esa grandeza sencilla, esa sencilla grandeza, esa humilde manera de enseñar la cordialidad sin señoreo, esa mano musical que se aproxima fraterna para culminar en el abrazo sincrético de la creación compartida, generosa, magnánima en su esencia, es lo que hace universal el arte del músico nacional por excelencia.
No escapó de su acción la aproximación a los más jóvenes. Su programa “Contesta por Tío Simón” estableció la concreción de un vínculo vivencial, cercano, cotidiano, corpóreo y no etéreo, entre los niños y la cultura nacional.Porque Simón sabía que el problema de la cultura es un problema de amor, es un problema de comunicación, es un problema de afectos. Y esos amores nacen y crecen en la niñez, porque si no se siembran cuando la tierra del amor es fértil, luego, la aridez de la vida puede restarle el alimento para crecer. Y a una Patria, hay que alimentarla desde la semilla para hacerla tierra fértil.
Allá lejos, en lontananza, el creador presiente la cercanía de la sabana infinita y su horizonte de mares ignotos, desconocidos. Nunca estuvo lejos, siempre cercana en los hechos y lugares que han poblado su dilatada vida de referencias.Esa vida que ha sembrado sus días con un caney de alegrías, le dió una compañera para que tremolara en ella su alma de picaflor saltarín pero consecuente y leal con el néctar de sus amores. Le dió hijos amantes de la naturaleza, del afecto y de los amigos, y le encarnó la poesía en la musa de una hija que concibió su alma de poeta redentor en el vientre de su compañera Betty, sabana plena. No le ha faltado pues, el sentimiento del Jesús complacido ni la comprensión del Dante, de Cervantes, de los grandes hombres en sus grandes momentos.Los intérpretes de la actualidad de ese mundo interminable del navegar sin fin de las artes, lo abrazan y se alegran de contarle entre ellos, como expresión viva y tambien infinita, de la sabana que se expande ante la vista. Y la escena no deja de ser humana. Pero en su terrena dimensión tiene una percepción divina.El que nuestra cultura que canta y danza al corazón en todas sus expresiones, se reúne alrededor del Tío Simón para plasmarlo en un momento no congelado de nuestras vidas, porque tenemos una tonada para ordeñar al futuro en un nuevo amanecer y un corazón cercano que ofrecer para aquilatar nuestros afectos en el alba siempre naciente
de una humanidad amiga.

José Gerardo Guarisma Álvarez

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miércoles, septiembre 17, 2008

La Voz, el Canto y el arte de Comunicar

"Una palabra no comienza como palabra, es un producto final que se inicia como un impulso o estímulo en la actitud y conducta de los individuos como necesidad de expresión.
La necesidad de nombrar según Freud, se da gracias a la ausencia y su vez al reconocimiento del otro (entendiendo “el otro” como lo que está fuera de mí), esto es lo que hace posible el tránsito a lo humano, porque el sujeto solo se constituye como tal a partir del símbolo, es decir, el hombre solo toma conciencia de si mismo en el momento en que por primera vez dice “yo” pues el yo se revela en la palabra como una representación de sí mismo.
Esta posibilidad de nombrar las cosas, le permite al individuo hacerlas presentes en la ausencia, porque justamente ya tiene una representación de ellas en el cerebro. Este es el inicio de inmersión en el universo del lenguaje, gran salvador de distancias en el espacio y en el tiempo que nos permite nombrar lo que no está y actualizar lo que ha dejado de suceder.
La voz humana es la forma en que materializamos nuestros pensamientos y dejamos ver nuestras emociones y dentro del proceso de crecimiento la vamos descubriendo en la medida en que nos relacionamos con el entorno y sentimos la necesidad de nombrarlo.
Cuando el ser humano habla, incluso cuando lo hace a solas o juega con el eco, está hablando para otro, habla para ser escuchado y reconocido; habla para ser interpretado, amado, odiado, deseado, etc. En síntesis para SER. Cuando habla intentando con ello comunicarse, también puede caer presa de enredarse con las palabras, porque ellas; así como son el vehículo en el que navega el ser, también y con mucha frecuencia, naufraga.
En el proceso de socialización, ocurre una fractura entre lo que se piensa y lo que se siente, con lo que realmente expresamos; generando hábitos que limitan su expresión, empobreciendo la voz, por lo que la gente no se habitúa a hacer un uso saludable de ella.
Algunas de estas reflexiones servirán como herramienta para cantantes y todas aquellas personas que de una u otra manera enfrentan públicos.
Hay aspectos que toda persona al enfrentar público debe tener en cuenta, hay dos en particular importantes: Nunca subestimarlo o dar por sentado que este interpreta lo que uno quiere transmitir. El público lo ve todo, desde la presentación personal, una mala proyección de la voz, o una postura incorrecta. Son elementos que manifiestan inseguridad o desconfianza.
¿Cuál es entonces el sentido de la presentación ante los espectadores y el manejo de la voz?
Todo esto radica en la habilidad del cantante para lograr la atención y para ello el comunicador se vale de herramientas de expresión del cuerpo, la voz y el gesto.
Para lograr este fin primero tiene que tener conciencia de si mismo, conocerse, auto-evaluarse. Es decir volver a verse. No solamente exponerse al reflejo de su imagen en el espejo; también tener conciencia de sus gestos, modulaciones, perfiles, planos, maquillaje, peinado, vestuario, etc.
Los problemas de dicción, proyección de la voz y presentación personal no son hechos aislados cuando se está frente a un público. No es lo mismo departir con el vecino que cantar ante una audiencia o público meta.
En muchas ocasiones se puede tener un gran propósito o idea para transmitir, pero problemas que son como la baja auto-estima, timidez, trastornos en la personalidad constituyen un gran impedimento y en ocasiones escuchamos voces apagadas, inseguras y poco audibles, que no generan interés.
Para la mejor comprensión de esto vamos a hablar de ello por separado.
El fenómeno de la comunicación brinda elementos en los que el artista hace uso en circunstancias diversas. Cuando hablamos de la voz, hablamos de aspectos básicos que son: respiración, afinación, postura y proyección (elementos que se trabajan en el canto), con estos elementos de expresión encontramos una tonalidad adecuada para dirigirnos ante el público meta y está relacionado con la técnica vocal y la expresión (técnicas que muchas escuelas de música y canto trabajan). Durante la emisión de la voz se manejan cualidades como son el volumen, manejo del aire, los matices, el brillo y coordinación de la salida del aire.
Una vez adquirido este proceso, el cantante logrará una evolución natural de la voz. Tendrá conciencia en la dicción, acentuación, pausas y cadencias de la voz. Este tipo de cadencias y pausas están condicionadas frente al objetivo o impacto que se quiere lograr con el público meta.
También hay que tener en cuenta los géneros musicales en que se enmarca lo que se va a interpretar (canto lírico, canto popular y otros), ya que la voz debe verse como un personaje.
La voz es nuestra carta de presentación por lo tanto hay que recurrir a la técnica para no caer en el mal uso o abuso de ella puede llevarnos a patologías como nódulos, pólipos y disfonías.
Siempre hay que tener en cuenta que, lo que se quiere decir está condicionado; es decir el cantante busca un objetivo en la interpretación y los elementos que se utilizan para lograrlo, son planeados con antelación ( por no decir ensayados), el timbre de voz, las pausas, las acentuaciones en ciertas palabras, plasmar momentos emotivos, etc.
Son elementos que hay que saber emplear y va unido a las fortalezas que tenemos en nuestra imagen física que generalmente es innato en nosotros (debemos hacerla grandilocuente sobre todo si sabemos que funciona para el público), debemos resaltar todo aquello que es ganancia y favorece la atención del público.
En la presentación física me refiero a lo que se ve, es decir a cómo me ven, la interpretación de mi mismo tiene que ver con la gestualidad, vestuario, peinado, maquillaje, etc. Genera una proyección que el espectador ve como confiable y fresca.
En un rostro podemos ver aspectos como cansancio, angustia, inseguridad, malas noches, carácter, etc., y es muy importante para el cantante que las intenciones verbales y no verbales estén sincronizadas y atrapen al público. Un poco lo que en teatro se llama presencia escénica.
Internamente el cantante debe estar consciente que, lo que busca es una especie de emoción en el espectador y esto genera atención en él y nos seguirá en todo lo que hagamos e inversamente yo estoy recibiendo una respuesta de aceptación o de rechazo de acuerdo a la lectura que voy observando en sus elementos no verbales que nos manifiesta.
Esta parte casi se convierte en una respuesta intuitiva que se aprende a reconocer con la práctica y es en este tipo de prácticas es donde conocemos nuestras limitaciones, sin necesidad de que nos digan cómo nos fue o recibir palmaditas en el hombro. Porque el mejor crítico es uno mismo.
A continuación dejo unas recomendaciones importantes para el manejo del público:

-Ser preciso

-Buscar la manera de captar la atención del público desde el inicio (con una idea interesante).

- Utilizar un buen volumen de voz .

-Adoptar una posición correcta y cómoda para el cuerpo (postura corporal)

-Utilizar gestos de la cara y las manos para reforzar lo que se dice

-Cantar claro, con buena dicción.

-Conectarse con imágenes para desarrollar la imaginación

-Dominar lo que se quiere comunicar

-Convencer,envolver emocionalmente el público

-Buscar propuestas nuevas

-Descansar, calentar el cuerpo antes de…

-Calentar la voz

-Entregarse en escena (disfrutarlo), ofrecer lo mejor de sí mismo

-Manejar roles o personajes (sin pretender parecerse a nadie)

-Dar a conocer tus cualidades que te hacen único

-Enfrentar público en diferentes lugares y situaciones

-Hacerse respetar que escuchan en silencio y atención

Saber manejar la respiración es un aspecto esencial y de grandes beneficios para mantener la calma en nuestros músculos, gestos y movimientos. Por que además de regular el ritmo cardíaco, bajando la presión sanguínea; produce un estado de quietud y armonía, mejora la visión periférica, controla el stress, oxigena el cerebro calmando y controlando el proceso del pensar, permite que nuestras ideas sean claras y coherentes.
El calentamiento de la voz mediante ejercicios de vocalización libera endorfinas que son las encargadas de mantener un buen estado anímico. Esta, unida a la respiración, le da un mejor apoyo a la voz, mejora la coordinación de los grupos de músculos que se utilizan en la oratoria y el canto, activando la energía corporal y los sistemas de información.
Respirar es un acto pasivo e inconsciente, sin embargo se puede hacer conciente para lograr un mejor desempeño.
No es un camino fácil el asunto de enfrentar públicos, pero hay que ejercitar la habilidad de expresar y comunicar opiniones, sentimientos, ideas y convicciones propias con claridad y eficacia. Buscar otras maneras de comunicar en las demás artes como la plástica, la pintura, el audiovisual, que también tienen una particularidad en lo relacionado a la transmisión de mensajes o ideas.
Hay tres elementos que son el núcleo de trabajo sobre la comunicación: postura, respiración y objetivo. A partir de estos enunciados podemos desarrollar otros aspectos técnicos a la hora de enfrentar público.

Postura: Apoyar bien los pies en el suelo, si el apoyo es firme y equilibrado, ayuda a la coherencia y fluidez en el manejo del discurso.

Respiración: Usar muy poco aire o tomar más del que se necesita para hablar o cantar, puede generar exceso de tensión en la garganta y cansancio. Lo ideal es saber dosificar la cantidad de aire que se requiere.

Objetivo: Tener un propósito específico al efecto que desea causar en el publico, debe verse como necesidad sincera que la audiencia percibe en el cantante. La existencia de este compromiso constituye una energía que compensa naturalmente las fallas en la ejecución.

Estoy segura que con la práctica y la aplicación de recursos para vencer el miedo o la ansiedad practicando ejercicios de relajación, aumentará la confianza en si mismo; soltar los músculos del cuerpo mediante respiración y ejercicios corporales, imaginar que estas haciendo bien las cosas, que estas cómodo y seguro, ensayar mucho para lograr la experiencia necesaria. La planificación y el tiempo que se dispone, el tipo de audiencia para encauzar el objetivo, los apoyos visuales, son elementos de gran ayuda para todas aquellas personas que de alguna manera han pasado por los mismos y similares vacíos en lo que al manejo del público se refiere".

Por: Cristina Vargas Rodríguez.

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lunes, septiembre 15, 2008

Música e integración

Didáctica musical basada en la experiencia socio educativa de La Rimbombanda.
La música como herramienta de integración psico física y psico social.
Realizado por niños de 3º grado de la escuela Roque Sáenz Peña de la localidad de San Marcos Sierras, provincia de Córdoba, Argentina.



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miércoles, septiembre 10, 2008

Historia de la Musica Electroacustica

La aparición de la música electroacústica a mediados de siglo XX no se debe exclusivamente al nivel de desarrollo tecnológico alcanzado y construido sobre una serie de antecedentes igualmente tecnológicos. La música electroacústica no es tan sólo una respuesta a las propuestas tecnológicas de la época, y sus fundamentos se encuentran tanto en los movimientos estéticos de las vanguardias, como en la gradual búsqueda de recursos sonoros y organizativos en la composición con instrumentos acústicos desde principios de siglo.
Es por ello que debemos entender que, a pesar de los numerosos artilugios electrónicos que desde un punto de vista tecnológico son los predecesores inmediatos del medio electroacústico, no es hasta el momento en que hay una conciencia compositiva formada y consolidada alrededor de las nuevas posibilidades sonoras derivadas de la electrónica, que la música electroacústica hace su aparición en escena. Esto explica que algunos de los primeros aparatos productores de sonido electrónico no implicaran ninguna renovación conceptual profunda en el mundo de la composición musical, y que los compositores les prestaran escasa atención. Éste es el caso del Telharmonium (1906) de Thaddeus Cahill, una especie de sintetizador antiguo que se usaba para distribuir música ambiental por línea telefónica. El Theremin (1920) de Lev Termen, tuvo aplicaciones musicalmente más interesantes. Aun así, se utilizó principalmente para interpretar melodías clásicas y tradicionales aprovechando sus características tímbricas con cierta similitud a la voz humana. Las ondas martenot (1928) de Maurice Martenot, fue un instrumento considerablemente más utilizado por compositores de vanguardia (Milhaud, Hindemith, Messiaen, etc.). Mientras, el primer órgano electrónico Hammond (1929) de Louis Hammond, fue un instrumento incorporado rápidamente por los músicos de jazz. A partir de los años 30, aparecen los primeros magnetófonos de velocidad variable, cuyo perfeccionamiento, juntamente con la innovación estética y conceptual en la creación musical, proporcionaría finalmente la base para la aparición de los primeros estudios electroacústicos y la aparición de una nueva disciplina musical (música concreta) basada en la transformación de sonidos reales (concretos) previamente grabados.
Al margen de lo tecnológico, los antecedentes musicales que forman el caldo de cultivo para una estética del medio electroacústico son diversos. Por un lado, el dodecafonismo de la segunda escuela vienesa (Arnold Schönberg, Anton Webern y Alban Berg), que fue seguido del estudio “Modos de valores e intensidades” de Oliver Messiaen y del serialismo integral de los años 50 (Pierre Boulez y Karl Heinz Stockhausen), genera una creciente necesidad de precisión en los ritmos, las duraciones, las frecuencias y las intensidades de los sonidos, así como una gradual parametrización en la composición musical. Esta tendencia por la absoluta precisión, a menudo imposible para el intérprete humano, se vio satisfecha por el control cuantificable de los parámetros sonoros que los medios electrónicos podían ofrecer. Además, la complejidad perceptiva de la lógica constructiva del serialismo integral acabó generando texturas musicales aparentemente caóticas para el oído, resultando a menudo en masas sonoras más identificables por sus texturas tímbricas que por las relaciones estructurales entre sonidos individualizados.
Otras incursiones de signo distinto en el plano de la organización estructural de los sonidos fueron propuestas por John Cage mediante el uso del azar. Cage, inventor conceptual del indeterminismo musical, pretendía liberar el sonido y la música de la voluntad constructiva del compositor. También aquí, el resultado sonoro fue, en ocasiones, la creación de nuevas combinaciones y texturas sonoras. Esta línea entronca más adelante con nuevas formas de azar controlado mediante leyes de probabilidad en la música estocástica de Iannis Xenakis.
Por último cabe destacar aquellas tendencias que buscaban deliberadamente la incorporación de nuevos sonidos y timbres a los de la gama de instrumentos tradicionales de la orquesta. Así los movimientos vanguardistas utilizaron nuevos sonidos, e incluso construyeron nuevos instrumentos como los Intonarumori del futurista Luigi Russolo (1913), que eran máquinas de producción de ruido de características variadas. Otros autores, como Milhaud o Hindemith, llegaron a utilizar máquinas de escribir, u otros objetos, en sus obras. Edgar Varèse anhelaba en sus escritos el día en que sonidos y masas sonoras se moverían libremente en el espacio gracias a los avances tecnológicos, y mientras tanto, expandía el uso de los instrumentos existentes en obras como “Ionización” para 13 instrumentos de percusión, en la que substituye el elemento básico “nota” por el de sonido percutido de afinación indeterminada. También John Cage, hace una importante contribución en este apartado de exploración tímbrica con la invención en los años 30, del piano preparado; un piano entre cuyas cuerdas se insertan objetos de índole diversa para conseguir sonidos, vibraciones y efectos percusivos varios al tocar el instrumento.
Estas tendencias experimentales que se desarrollan antes, durante y después de la aparición de las primeras músicas electroacústicas, definen un marco conceptual de exploración del sonido y su organización formal que se ve parcialmente recompensado con las posibilidades que proporciona el nuevo medio. Por todo ello, hay que entender la creación de la música electroacústica como el desenlace de una diversidad de tendencias tanto conceptuales como tecnológicas dirigidas hacia la búsqueda consciente de nuevas posibilidades sonoras, y no simplemente como el resultado del grado de desarrollo alcanzado en las últimas. El mismo Pierre Schaeffer, quien en 1948 (año oficial del nacimiento de la música concreta) realiza sus primeras obras electroacústicas en los estudios de la Radio Nacional Francesa, partía de una conceptualización de los objetos sonoros y su percepción, basada en la fenomenología de Husserl, como posteriormente ejemplificó en su “Tratado de los objetos musicales”.
A partir de 1948 empiezan a aparecer los primeros estudios de música electroacústica, entre los cuales, algunos de los más importantes son:

Pierre Schaeffer (técnico de sonido de la Radio Nacional de Francia) inventa la música concreta (1948) consistente en transformaciones en cinta magnetofónica de sonidos reales (tren, pasos, mar, etc.) que Schaeffer denominó “objetos musicales”. Tienen connotaciones semánticas además de su valor como sonoridad. Las transformaciones más habituales eran variaciones de velocidad en la reproducción de la cinta, cambio de dirección (tocar hacia atrás), cortar y pegar fragmentos de distintos lugares y procedencias (como un montaje fotográfico o un collage pictórico). Poco después se le unió el compositor Pierre Henry y en 1951 crean el Grupo de Música Concreta (GMC) que todavía perdura. En este nuevo estudio trabajaron muchos de los compositores más importantes del momento (Messiaen, Varèse, Boulez, Stockhausen, Xenakis).

En 1951, Vladimir Ussachevsky y Otto Luening fundan un estudio en la universidad de Columbia. Derivan de la música concreta pero transforman esencialmente sonidos instrumentales (flauta, piano, etc.).

En 1952, Herbert Eimert funda el primer estudio de música electrónica (no concreta) en la Radio de Alemania Occidental en Colonia. Esto creó dos categorías en la música generada con medios electrónicos, que se mantuvieron como tendencias separadas durante algunos años.

Además de magnetófonos, el estudio de Eimert incorporó filtros de sonido, osciladores y generadores de ruido, amplificadores de señal, etc. Esto permitió construir el material sonoro desde cero, y no tan sólo transformar el ya existente, de manera que el timbre podía ser una resultante del proceso de composición y no, como hasta entonces, un material preformado. Aquí realizó Stockhausen sus primeras obras electrónicas (no concretas): Studio I (1953) y Studio II (1954). Mediante la combinación de sinusoides (sonidos puros sin armónicos como el de un diapasón) se producen sonidos complejos (proceso denominado síntesis aditiva). Studio II fue, además, la primera obra electrónica con partitura gráfica representado los sonidos electrónicos y sus características. Stockhausen también hizo, poco después, obras con sonidos reales y electrónicos, como por ejemplo “Gesang der Jünglinge” para voz infantil y síntesis substractiva (ruido filtrado).
En 1955 se crea el Studio di Fonologia de Milán. En este estudio se trabajaba sin distinción con música concreta y electrónica. En el compusieron Henri Pousseur, Luciano Berio, y John Cage, entre otros. Berio realizó su: “Thema: Omaggio a Joyce” (1958), y Cage su “Fontana Mix”, también en 1958.

En los años 50 aparecieron numerosos estudios de música electrónica dependientes y financiadas por radios: Tokio, Varsovia, Londres, Bruselas, Estocolmo. También algunos en universidades y otros privados en EEUU y Canadá.
En España, el primero (y único estudio durante muchos años) fue Phonos en Barcelona (1975), actualmente integrado al Instituto Universitario del Audiovisual de la universidad Pompeu Fabra.

Los primeros sonidos generados por ordenador hicieron su primera aparición en escena en 1957 en los Bell Telephone Laboratories (conocidos como Bell Labs en la literatura del medio) en Nueva Jersey de la mano de Max Mathews, científico, músico y uno de los principales investigadores e impulsores de la música con ordenadores durante las cuatro últimas décadas del siglo XX. Un año antes, Lejaren A. Hiller y su colaborador Leonard M. Isaccson habían producido la primera composición realizada por ordenador “The Illiac Suite”, un conjunto de estructuras musicales para ser interpretadas por un cuarteto de cuerdas sin sonidos electrónicos.



Tomado de la página de la Escuela Superior de Música de Catalunya.

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lunes, septiembre 01, 2008

Metodo Martenot

Maurice Martenot nace en París, Francia, el 14 de octubre de 1898 y muere en Clichy el 08 de octubre de 1980. Desde muy corta edad comenzó a tocar el piano, pero también se destacó en el violoncello, la ópera, el estudio de la armonía y del contrapunto. Sirvió en la Primera Guerra Mundial y alcanzó el rango de sargento. En ese entonces se desempeñó como radiotelegrafista y esa experiencia lo lleva a profundizar sus estudios, ya como ingeniero, sobre las vibraciones de onda en los tubos radiales, llevando estos resultados al campo de la música, el sonido y la electrónica. En 1928 descubre las Ondas Martenot, como resultado de su búsqueda de nuevos medios de expresión.
Dedicado a la pedagogía y a la enseñanza musical, sus principios se basan en el énfasis a los resultados concretos y tangibles en la educación musical, dándole mayor relevancia al presente que al futuro. Para Martenot, la música es una expresión privilegiada que afecta a la totalidad del ser; un músico que toca sin alma no puede realmente tener acceso a la música.
Además de destacar la importancia del músico y su papel en la sociedad, también destaca la grandeza y exigencia de la enseñanza artística; el Educador debe estar conciente de la importancia de su misión.
Martenot
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domingo, agosto 31, 2008

Metodo Maurice Martenot

El método creado por Maurice Martenot intenta aunar todos los elementos didácticos para poner la formación musical al servicio de la educación general.
Martenot considera que la educación musical es parte esencial de la formación global de la persona , atribuyendo esta idea a despertar las facultades musicales del niño en la educación escolar. Opina que su método es más bien un camino hacia un fin.
El método en sí se fundamenta en la investigación del autor acerca de los materiales acústicos , en la psicopedagogía y en la observación directa del niño.
Para trabajar el solfeo , se parte primero de todo lo vivido a través de una iniciación musical que pretende despertar la musicalidad de las personas . Esta etapa se realiza mediante diversos juegos y propuestas musicales lúdicas , en los que se presentan de manera separada el ritmo , la melodía y la armonía . Una vez superada esta etapa , se pasa al estudio del solfeo , de forma que la escritura y la lectura musicales supongan la memoria de una vivencia musical que integre los conocimientos para expresarse , improvisar , interpretar y componer.
En conjunto , la educación musical constará de Sentido rítmico, Relajación, Atención auditiva, Entonación, Equilibrio tonal, Iniciación al solfeo, Armonía y transporte.

Fundamentación pedagógica

Hay una serie de principios en los que se sustenta el método entre los cuales deberían ser los siguientes :

-Entender la música como liberadora de energías , capaz e arrojar complejos y dulcificar sentimientos tristes . La música es un poderoso factor de equilibrio y de armonía , ya que permite al niño expresarse con libertad.
-Conceder gran importancia a la influencia del ambiente musical en el que se desarrolla la educación , especialmente en lo referido al maestro , tanto con respecto a la personalidad como al método usado. Entre las cualidades del docente , Martenot señala la capacidad para la dirección afectiva de la clase , de forma que reine una flexible disciplina.El profesor debe ser firme y suave , activo , acogedor , inspirado de confianza y respeto . El método debe favorecer los conocimientos que fomentan el desarrollo de las capacidades musicales .
-El factor Tempo.

En sus investigaciones , observó que la participación activa de los niños durante la lección debe desarrollarse a un tiempo cercano al movimiento del metrónomo colocado en 100. También descubrió que un tiempo superior a 100 produce agitación y sobreexitación ; y que a la inversa , un tiempo inferior produce falta de atención y baja actividad .
*La relajación , la respiración tranquila y el equilibrio gestual son necesarios para la salud y para la interpretación musical . El método contiene una serie de ejercicios destinados a lograr el dominio de los movimientos y a realizar estos de forma habitual y armoniosa con la justa proporción de esfuerzo , con los músculos necesarios para cada acto.
*El silencio que debe ser tanto interior como exterior . A él tan necesario en la práctica musical , se llega en el método a través de la relajación.
*Alternancia entre la actividad y la relajación .En sesiones de clase deben programarse momentos de concentración y otros de relajación , intercalados en los anteriores . Al principio sesiones activas con juegos , y después ejercicios de atención auditiva.
*Importancia del principio de la progresión , realizando mediante distintos niveles de complejidad los juegos y ejercicios .

Desarrollo del sentido rítmico

Es la primera función de la educación musical , porque se trata de manifestar el ritmo viviente propio de todo ser humano . Según las orientaciones de Martenot , para favorecer el estado rítmico de actividad es necesario mantenerse en pie , mientras el cuerpo reposa con naturalidad sobre la planta del pie derecho hacia delante , y el busto se mantiene libre ; o bien sentado sobre el borde de una silla con el busto erguido y la cabeza alta.
El desarrollo del sentido rítmico se conseguirá a través del trabajo de las siguientes capacidades :

-La facultad de exteriorizar con precisión sílabas rítmicas a través de una sílaba labial .
-La capacidad de percibir las pulsaciones del tiempo con rigurosa precisión .
-La habilidad para expresar simultáneamente con independencia y perfecta precisión los ritmos y las pulsaciones del tiempo.

*La relajación.
La relajación tiene como objetivo dar a los alumnos paz y energía interior . La actividad propuesta es segmentária , es decir, por partes separadas del cuerpo.
Martenot le da mucha importancia a la relajación , y describe la actitud del profesor al respecto , quien debe crear el clima de paz y silencio .
Los diversos ejercicios de la relajación de los miembros persiguen el reposo físico y mental , la flexibilidad de todas las articulaciones y el dominio sobre los grupos musculares que las gobiernan .
Las actividades de audición van precedidas en ocasiones de uno o dos ejercicios de relajación para favorecer la atención auditiva.

*La audición

El alumno debe partir del carácter inmaterial de la música , y no de las alturas de su colocación en el pentagrama . Debe tenerse en cuenta que el instrumento de ondas Martenot está indicado para la audición de timbres y alturas diferentes .
La base de la audición estará en crear la atención auditiva desde el silencio . Para ello deberemos :
-Escuchar el silencio del aula y , a continuación y a modo de contraste mostrar el sonido de un instrumento.
-Concienciarnos de que , para apreciar el verdadero sonido , es necesario que todo esté bien tranquilo a nuestro alrededor y en nuestra propia persona .
Algunas orientaciones metodológicas que favorecen el clima preciso para la audición :
/Partir del reconocimiento de melodías y timbres previamente conocidos .
/Escuchar distintos ruidos en el juego de la colección de ruidos de la semana , donde los alumnos anotarán todos los que escuchan .
/En la discriminación de alturas , asegúrese previamente de que los sonidos propuestos estén perfectamente afinados .
/Entonar los sonidos en pianísimo , no de forma brusca.
/Ofrecer un clima de confianza , destacando más los aciertos de los alumnos que sus errores.

*La entonación

La voz es una cualidad que permite al alumno expresar sus estados de ánimo . En la entonación es necesaria una atmósfera de benevolencia , de acogida cordial , de confianza , de animación creada por el maestro .La calidad del maestro ha de ser buena , ya que los alumnos intentarán imitarla .
Los ejercicios serán realizados en la extensión media de la voz de los alumnos sin exagerar nunca la fuerza , y con la respiración fluyendo hacia delante , como un don generoso .
La entonación justa depende de la audición justa . De ahí , que incluso en las actividades de canto , debe partirse primero de la correcta audición antes que la emisión del sonido .
El canto por imitación es un aspecto elemental para la educación del oido y e la voz , y , además , favorece la asociación del gesto con el movimiento melódico Facilita la entonación correcta y el dictado musical .
Con las fórmulas rítmicas se entonan distintas llamadas o ecos :
-Variando ritmos y / o sonidos
-Variando con la boca abierta
-Variando las entonaciones expresivas

La preparación del solfeo entonando lo plantea Martenot con el Juego de las palabra melódicas . Esta juego parte de la impresión global del movimiento sonoro y aprende ayudar al alumno a escuchar mejor el sonido y a encontrar la entonación correcta .

La lectura cantada .
Para entrenar a los niños en la asociación entre el movimiento sonoro de las melodías y el sentido melódico de los intervalos se presentan partituras formadas por neumas .

El fraseo en la entonación
Al igual que las frases habladas , la frase musical desarrolla en el tiempo una corriente de pensamientos que finalizan en forma femenina o masculina , que corresponden a la acentuación grave o aguda de las palabras . En cambio Martenot emplea ejercicios que parten de la acentuación grave o aguda de las palabras , de la terminación masculina o femenina . El objeto de los mismos es practicar el fraseo sobre la sílaba “la” , buscando no sólo la pulsación y los acentos , sino también la calidad de expresión .

Ceración y desarrollo del equilibrio tonal
Si bien se inicia el método con la pentafonía , pronto se trabaja el sentido tonal . La metodología parte , pues , de improvisaciones melódicas en las que , poco a poco , van descubriendo las leyes del equilibrio y la atracción de la tonalidad .

*Iniciación al solfeo : lectura rítmica y de notas

Lectura de formas rítmicas .
Para Martenot , la duración de una nota es un elemento más de un todo . Representa uno de los miembros del cuerpo rítmico (formula); Y, separada pierde su sentido. Consecuencia de esto es la concepción global de su lectura rítmica, en la que presenta a los elementos dentro de una célula rítmica y no por separado, como otros métodos(Kodaly, Willems...)
Considera que las dificultades rítmicas y de entonación pueden solucionarse por si misma trabajando a fondo el sentido rítmico y tonal. Es indispensable la despreocupación en un comienzo por los nombres de las notas y por la notación musical de las figuras (blanca, negra, corchea...)
La fórmula rítmica debe ser presentada globalmente sin un análisis de valores , relacionada directamente con el dibujo . Posteriormente , una vez experimentado el rítmico con numerosas fórmulas rítmicas , se relacionan los sonidos con sus valores correspondientes diciendo “la” para negras , “la..a” para blancas , “shit” para silencios.

*Lectura melódica
La lectura de notas se inicia en la primera fase del desarrollo musical que , como viene presentado aquí , se centra en el desarrollo del sentido rítmico , la audición y la relajación .
Para solventar la lectura , Martenot se vale de la carrera de notas , para conseguir velocidad y regularidad y el llegar sano a la meta .Se gana una carrera cuando se lee una línea sin ningún titubeo y en el tiempo indicado por el metrónomo.
Martenot sustituye las consonantes de las notas al principio y las nombra así O , E , I , A , OL ...con el fin de que se registre bien la información . Sin embargo , para la repetición de los sonidos , las consonantes resultan indispensables a fin de evitar el golpe con la glotis .
Para diferenciar las notas naturales de las alteradas , adopta una nomenclatura más simple que la de otro métodos como el de Kodály .A las notas alteradas se cantan añadiendo B o S al sonido natural que es bemol o sostenido respectivamente .

*Armonía
El estudio de la armonía se realiza a partir del conocimiento de la escala y acorde mayor o menor.
Se realizan diversos ejercicios, según un orden bastante melódico, que tienen como fin el desarrollo de la entonación y el sentido tonal para el estudio de los acordes. Se inicia el estudio de los acordes y sus inversiones desde el comienzo de la lectura musical y se insiste mucho en los de 3ª , 5ª , 7ª y de 9ª mayores y menores.

*Materiales
-Repertorio de canciones infantiles
-Material de psicomotricidad
-Medios audiovisuales para el desarrollo de la imaginación creadora
-Juegos didácticos: cartas y palabras melódicas
-Juegos didácticos: carrera de notas, el auto
-Dominó : fichas de dominó con valores rítmicos y métricos
-Diapasón y metrónomo
-Teclado móvil con los nombres de las notas que se colocan sobre las teclas del piano

El fin de estos juegos, como se ha indicado es llegar al conocimiento de los elementos musicales, facilitando su teoría y su grafía.

Ondas Martenot.
El instrumento, que consta de un teclado de 7 octavas; una cinta, que colocada en el dedo índice de la mano derecha permite producir sonidos semejantes a los humanos, glisandos, etc... ; un rodillo con las teclas de mano , un cajón a la izquierda con la caja de control que permite regular las dinámicas , timbres , difusores ,etc...
Los difusores ( principal , metálico y otro llamado de “Palma” ).

Tomado de: Pedagogía de la Música.

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martes, agosto 26, 2008

Facilitacion: Metodo Schafer

La profesora Zeneida Rodríguez, facilitadora del curso Métodos para la Enseñanza de la Música III, aplicó la estrategia que detallo a continuación, para compartir con nosotros una aplicación de la Metodología Schafer.
Para ello, nos invitó a salir al exterior del instituto, hacia la calle. Observando muy atentamente todo el ambiente que nos rodeara, haríamos anotaciones sobre el entorno y relacionarlo con las fuentes del sonido.
En mi caso, hice anotaciones sobre el sonido de los autos (carros, camiones, motos, carro de bomberos… sirenas, cornetas, frenazos, rugir de motores, etc.). Pero también hice anotaciones sobre el escaso entorno sonoro natural; el trinar de algunos pájaros, el correr del agua en la quebrada Caurimare y el sonido del viento que movía la vegetación.
Al regresar al aula, cada estudiante debía realizar un dibujo relacionado con lo observado y escuchado según sus anotaciones.
Seguidamente, cada participante muestra su dibujo y comenta lo dibujado, relacionándolo con los sonidos y ruidos percibidos.
Me llamó la atención el hecho que la profesora Zeneida realizó un dibujo abstracto, tratando de representar mediante un dibujo la forma de los sonidos, como si fueran visibles, y no su elemento originario, su causa. Hizo hincapié en lo cíclico de los sonidos y sus timbres. También realizó un esquema rítmico de los sonidos escuchados. Con esto nos llamó a tomar conciencia sobre la diversidad de maneras que existen de visualizar (expresar) los sonidos.
Luego, la profesora nos hizo una introducción a los principios de la metodología Schafer, el significado del Entorno Sonoro, la importancia del no aislarse de los sonidos y de tomar conciencia de la armonía que existe en los sonidos que nos rodean, así como el poder identificar y reproducir todos los sonidos que percibimos.
La siguiente actividad fue seleccionar uno o dos sonidos observados y reproducirlos onomatopéyicamente; primero cada participante y luego todo el grupo. Con esto puede llegar a improvisarse una composición musical, acoplando todos los sonidos. Esto tiene como ventaja el poder aprovechar al ambiente como fuente proveedora de recursos para que cualquier grupo de participantes (en la escuela, liceo, coro, banda, orquesta, etc.) haga una composición musical.
También la profesora nos comentaba en qué consiste la elaboración de un Diario Sonoro. Este resulta de la toma minuciosa de observaciones sobre los sonidos que se perciben, identificarlos y reproducirlos, hacer comparaciones, etc. Se hace desde el primer sonido que escuchamos al despertar hasta el último al finalizar el día, cuando nos disponemos a dormir.
Para concluir su intervención, nos comentaba sobre la importancia de identificar los sonidos, ya que al ignorarlos no existen. Para ella, el sonido es ruido que se encuentra en el ambiente de una manera desordenada, pero que puede integrarse de manera armoniosa y agradable; puede incluso llegar a conformar un acorde, combinar nuevos sonidos y hacer música.



Para finalizar, en grupos hicimos la lectura y análisis del artículo El Hombre como Protagonista del Paisaje Sonoro, elaborado por Gerardo Meza Sondoval.

En la clase siguiente, hice mi facilitación sobre éste método de enseñanza musical.

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