miércoles, diciembre 29, 2010

Bohemian Rhapsody, arreglo para 4 violines.

Siempre me ha parecido que Rapsodia Bohemia es una de las composiciones mas espectaculares que he escuchado en mi vida. Siendo nino recuerdo cuando estuvo de moda, y creo que jamas estara de estarlo, como la misma banda britanica Queen. En esta cancion, Freddie Mercury despliega sus condiciones de compositor, musico y cantante. No en vano es considerada una de las mejores composiciones de todos los tiempos. Sobre el significado de la letra se ha comentado mucho; sin embargo es un secreto que Mercury siempre guardo, afirmando que es una cancion para disfrutarla escuchandola, no para romperse el coco buscando mensajes. Aun asi, considera valido que cada quien, al escucharla, le de su propio significado, segun la vision de la vida.
En fin, sobre esta pieza pueden escribirse millones de lineas. Lo que quiero presentar a continuacion es el performance de un arreglo para cuatro violines realizado por Joe Edmonds, demostrando una vez mas lo que ya habia hecho Mercury: Combinar la musica academica con el rock y otros generos modernos.
Como detalle original, en el video los cuatro violines son interpretados por el mismo Edmonds.



Con este post, quiero despedir el 2010 haciendoles llegar mis mejores deseos a los lectores del mismo, esperando tener pronto la oportunidad de volver a escribir, porque a pesar de las circunstancias no dejo de creer en la educacion, en la educacion musical, y sobre todo en la educacion musical en Venezuela.

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sábado, octubre 09, 2010

Juegos con Música

Mucho se ha escrito sobre la influencia de la música clásica en el desarrollo cognoscitivo de los niños, y del beneficio de exponerlos a estos ritmos desde que están el vientre de la madre. El tema es polémico y algunos padres no se fían del resultado de estos experimentos, mientras otros francamente exageran atribuyéndole resultados “mágicos” al llamado Efecto Mozart.
Pero independientemente de quien tenga la razón, lo cierto es que escuchar música no les hará daño -ya sea clásica, popular, urbana, tradicional- y si es un recurso precioso que puede ponerse en función del aprendizaje, para el desarrollo de la sensibilidad artística, la creatividad y la concentración en las diferentes etapas de crecimiento del niño.
Te propongo estos sencillos juegos con música, que puedes practicar regularmente en casa con los chicos y hacer que aprendan mientras se divierten:

Momentos clásicos


Mozart, Vivaldi, Debussy, Beethoven, Tchaikovski, Frank Liszt: es la mejor música para imaginar historias. Proponles cerrar los ojos, dejarse llevar por la melodía y trasportarse con ella a otro lugar, a una dimensión en la que trascurre otra realidad. Ayúdalos a romper el hielo siendo el primero en contar lo que la pieza musical escogida te sugiere. (Apropiado para niños de 4-6 años).Una complementación de este juego es que terminen dibujando lo que imaginaron y contaron.

El DJ: música para escoger e identificar

Este es un juego que animara perfectamente una fiesta de cumpleaños, pero que también pueden hacer en un día de lluvia, o de mucho frio para estar fuera de casa.
Primero se designa al DJ, y este escoge la música. Los demás escuchan e intentan identificar ritmo, género, titulo de la pieza, letra. Quien ofrezca más información gana el derecho de ser el próximo DJ. (Apropiado para niños de seis años en adelante).

¿Qué instrumento está tocando?

Este es un ejercicio intelectual que los ayudará a conocer e identificar los diferentes instrumentos musicales. Puede complementarse con imitación para ayudarles a recordar y hacer el juego más divertido.
Puedes escoger cualquier tipo de musical, aunque los instrumentales simplificarán la tarea. Pídeles que imiten el movimiento que realiza el músico al tocar el instrumento que suena. También puede jugarse imitando el sonido del instrumento y adivinando cuál es.

¡Vamos a bailar!

Es un juego que disfrutan especialmente los chicos inquietos. Prepara un área despejada de casa, pon la música de su preferencia y hagan parejas. Si son pocos de familia, mamá y papá pueden ayudar.
Si se tienen al menos dos parejas pueden organizar un concurso de baile, poner un popurrí y tratar de seguir todos los ritmos con gracia y sin pausas largas. Es un juego contagioso, que puede romper la modorra de un día aburrido, y les aseguro que si le ponen impulso terminará bailando hasta el gato.

Por Chely P. Mayan.

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lunes, septiembre 06, 2010

El poder de la música

Jackie Roy Tuner es un veterano estadounidense de la II Guerra Mundial aficionado a la trompeta, cuya pequeña y emotiva historia he conocido hoy gracias a un enlace en Amazings.es.

Con voz temblorosa y notoriamente emocionado, este anciano soldado relata en el vídeo que adjunto lo que le sucedió en el frente francés un par de semanas después del mítico desembarco de Normandía, cuando ya era obvio que los alemanes perderían la guerra.
Al parecer, su mando le pidió que no tocara esa noche porque en las proximidades había un francotirador alemán que podría detectarle y alcanzarle con su arma. Desoyendo el consejo, aquella fría y lluviosa noche en la trinchera, el capitán Jackie pensó que aquel tirador alemán estaría tan solo y asustado como él, así que decidió tocar algo de su tierra. Tomó su trompeta e interpretó para él, seguramente sin demasiado virtuosismo, el famoso Lili Marleen.
A la mañana siguiente, un soldado estadounidense llegó en un Jeep para contarle que había un soldado alemán dispuesto a ser trasladado a Inglaterra, así que lo llevaron ante él.
“¿Quién tocó anoche la trompeta?”, le preguntó el alemán en un mal inglés.
“Cuando oí la canción, me acordé de mi novia en Alemania, de mi madre muerta, de mis hermanos y hermanas… y ya no pude disparar“.
Ambos hombres se dieron la mano.

Jackie nos cuenta emocionado: “no era mi enemigo, era únicamente un hombre asustado y solo como yo“.



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lunes, julio 05, 2010

Las Bodas de Fígaro, en stop motion para guitarra.

El stop motion (parada de imagen, paso de manivela o cuadro por cuadro) es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la animación por ordenador; esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.
La frecuencia de grabación es, igual que en el cine, de 24 imágenes por segundo, para que el ojo humano pueda percibir un movimiento continuo. Para 1 minuto de grabación se necesitan 1500 imágenes fijas aproximadamente.
En más de mil cortes, seis horas de grabación a digitaciones de guitarra y una hora de edición; el guitarrista, animador y cineasta brasilero Joe Penna creó el siguiente video, el cual fue considerado como uno de los mejores del 2009 por Youtube.



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sábado, junio 26, 2010

La Revolución Educativa

¿Es hoy más difícil la convivencia en las aulas? ¿Están bien preparados los maestros para acompañar al niño hasta su adolescencia con una educación que englobe emociones e inteligencia social? Las necesidades de un adulto para vivir en sociedad no son las mismas que hace 50 años, ni lo son tampoco las condiciones de vida de los adolescentes, ni las tecnologías que rodean a todos. Sin embargo, los programas educativos han cambiado muy poco en el último siglo. El psicólogo Robert Roeser nos ayuda a redefinir el papel de profesores y maestros, y a buscar en la ciencia algunas propuestas para mejorar la educación de los futuros ciudadanos.
Si hay algo de lo que estamos casi seguros hoy día es que debemos, no tenemos más remedio, que transformar la educación de nuestros maestros. Descartemos de momento las responsabilidades de la familia a la hora de incidir sobre los niños; lo que sí sabemos es que no nos sirven maestros que sólo destilen contenidos académicos en las mentes de los treinta niños que forman su clase, a veces gritando casi todo el rato. Hoy sabemos que es importantísimo el que estos maestros aprendan a gestionar las emociones básicas y universales de sus alumnos.
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Publicado en: Redes para la Ciencia.

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viernes, junio 18, 2010

Sistema de Orquestas de Venezuela afina convenio con Conservatorio Tchaikovsky de Moscú

Miembros del Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela y del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, sostuvieron en la capital Rusa, la primera reunión para definir la creación de un convenio entre las orquestas de ambos países.
Este acuerdo abarcará el intercambio entre las orquestas juveniles, grupos de cámaras, maestros, así como de material musical de repertorio de ambos países y la fabricación de instrumentos.
Así lo indicó el maestro, director y fundador del Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, José Antonio Abreu.
“Este convenio trascendental para Venezuela, englobará todos los elementos que conforman ambas orquestas, y nos permitirá tener vínculos permanentes con este importante conservatorio'.
Abreu agregó además que tanto el presidente como el vicepresidente del conservatorio ruso recibió a los integrantes del sistema venezolano 'con una muestra de júbilo y señalando la importancia que para ellos ha tenido este primer contacto”.
Asimismo, destacó que el convenio no sólo comprenderá la actividad de las orquestas, sino también el arte del canto, canto coral y la formación coral infantil.
Con respecto a la gira por ocho ciudades europeas que lleva a cabo desde el 7 de junio la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, bajo la batuta del aclamado director venezolano Gustavo Dudamel, expresó sentirse impresionado por el recibimiento que ha tenido la orquesta.
“Esta gira ha superado con creces nuestras expectativas. Audiencias masivas, salas llenas y ovaciones interminables en cada ciudad que hemos visitado”.
“Este jueves la orquesta ofreció un concierto en el Teatro Mariinsky de San Petesburgo, Rusia y obtuvo una maravillosa ovación interminable en presencia del más grande maestro actual, Valery Gergiev, quien al final del concierto no solamente se acerco a felicitar a los muchachos sino que los invitó a regresar a Rusia”
Señaló también que Gergiev visitará Venezuela en el curso de los próximos meses para concretar los acuerdos para la creación de una orquesta juvenil ruso-venezolana que tendrá carácter permanente y que sellará la hermandad entre ambos países.
Abreu agradeció en primer lugar al Gobierno Bolivariano por todo el apoyo brindado y por hacer posible la visita de la orquesta venezolana a las ciudades europeas, en las que ha dado muestra del talento criollo.
Reconoció también el apoyo de las autoridades musicales de Rusia y del pueblo venezolano 'que siempre nos ha seguido con amor y solidaridad”, expresó.
La gira de la orquesta venezolana por Europa culminará el próximo 26 de junio en Granada, España donde ofrecerá un concierto en el Festival Internacional de Música y Danza de esa ciudad.



Tomado de: ABN

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domingo, mayo 30, 2010

El Himno de Chile y Don Andrés Bello.

En los archivos audiovisuales de la Biblioteca Nacional reposaban hacía décadas partituras del siglo XIX llegadas de la Escuela Superior de Música y del archivo de José Ángel Montero, estos vendidos a la Biblioteca en 1938. Entre ellos estaban dos, en anverso y reverso de una misma hoja, con el título de Canción Nacional N° 1 y Canción Nacional N° 2, ordenadas para que se ejecutaran una después de otra. La N° 1 era el Gloria al Bravo Pueblo, de 1840, considerado el más antiguo manuscrito de lo que después fue nuestro Himno Nacional.
Rescatadas por Ignacio Barreto, de la BN, y el compositor e investigador Diego Silva Silva, fueron restauradas y es cuando se decide su ejecución, todo con el patrocinio de Pdvsa La Estancia. Cuando ensayaban encontraron que el estilo de la Canción Nacional N° 2 era distinto, modo frigio español; no se parecía a ninguna de las otras, y un día de abril de 2008 el tenor Andrés Algara, solista de esa canción, les comentó que un chileno que había escuchado los ensayos les dijo que ese era el Himno Nacional de Chile. Mayúscula sorpresa. ¿Cómo era posible que una pieza seguramente compuesta en 1827-30 en Caracas pudiese ser el Himno de Chile?
Comenzaron a investigar, y lo primero que observaron fue la similitud en la música. Se enteraron del origen del himno chileno, supieron que el embajador de Chile en Londres, Mariano Egaña, envió a Santiago en 1827 una nueva versión; en 1841 el presidente Bulnes hizo cambiar su letra por una no tan antiespañola; después hubo un vacío, hasta 1867 cuando fue reconstruido.
¿Tuvo alguna injerencia Andrés Bello en ese proceso? Barreto y Silva creen que hay razones, pues Bello sabía música y seguramente la escribía, estuvo varios años en Londres incluso como funcionario del Consulado de Chile, y señalan cómo se valora el exilio (él fue un exiliado) en sus estrofas finales:
"Dulce Patria recibe los votos
Con que América toda juró
Que a la tumba será de los libres
O el asilo contra la opresión"
El caso es que le escribieron a varios músicos en Santiago y a la Biblioteca Nacional y no han encontrado ninguna respuesta que demuestre algún interés por aclarar la dudas que aparecieron junto a la partitura igual, pero muy anterior, al himno nacional chileno. Es raro que los chilenos no tengan ningún interés en despejar esas interrogantes.



Tomado de: Los Domingos de Díaz Rangel

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lunes, abril 26, 2010

Lesiones en los Músicos

Un alto porcentaje de músicos sufre alguna lesión a lo largo de su vida profesional. Una buena formación y unos hábitos adecuados podrían ayudar a evitar las lesiones relacionadas con la praxis musical. Tomás Martín es profesor superior de percusión, percusionista de la Orquesta de Castilla y León, osteópata especializado en el tratamiento de las lesiones en los músicos y Doctor por la Universidad de Valladolid, y ha tenido la amabilidad de hablar con nosotros acerca de estos temas.

¿Cómo llegaste a ejercer la doble faceta de músico y terapeuta?

Yo era un músico normal, estudie mi carrera de percusión, y cuando tenía dieciocho años me lesioné el antebrazo y la mano izquierda y tuve que dejar de tocar durante un año. Tras muchas vueltas (fui a traumatólogos, me hice todas las pruebas diagnósticas que estaban en la época, incluyendo dos escayolas, hice meses de rehabilitación, y hasta me infiltraron en los tendones) me encontraba en el mismo punto, sin tocar absolutamente nada. Ya a punto de dejar la profesión, encontré un osteópata y en unas 3 semanas me recuperé para tocar con normalidad. Por eso me decidí, después de padecer esta lesión, a tratar a otros músicos, ya que no parecía tener mucho sentido que después de tanto calvario la solución resultara ser tan obvia para otras disciplinas, y sin embargo para la traumatología llevara tanto tiempo

¿Por qué los músicos somos tan propensos, en general, a tener dolores y lesiones de diferentes tipos?

Pues por la falta de educación. Nos educan en muchas materias, pero ninguna asignatura se utiliza para intentar solucionar los problemas que al final "acaban teniendo todos los músicos", que son siempre muchos, y que ocurren por realizar siempre los mismos gestos sin prepararse para realizarlos Ese es el problema, si lo comparamos con los deportistas, todos los días de entrenamiento empiezan con un calentamiento. En el caso de los músicos, el profesor que se preocupa, enseñará a los alumnos a evitar lesiones y el que no haya tenido esa formación posiblemente acabará teniéndolas.

¿Con eso quieres decir que con una buena prevención se podrían evitar las lesiones?

Claro, si tú incorporas estas disciplinas y estos conocimientos a los alumnos, éstos se hacen mucho más resistentes a las patologías, y sobre todo los estudiantes crean unos hábitos regulares de estudio, en los cuales entre el calentamiento, los descansos y el enfoque inteligente del estudio se puede evitar que finalmente se lesionen.

¿Entonces no hay relación entre la técnica y las lesiones?

No, no. Hay mucha gente que piensa que los músicos se lesionan porque tocan mal, pero eso es incorrecto, no es que toquen mal, es que sobrepasan su límite fisiológico, o también que no toman una serie de pautas para evitar lesiones. Si eso fuera verdad sólo se lesionarían los músicos que tienen mala técnica, y eso no es verdad, se lesionan tanto aquellos que tienen una mala técnica como los que la tienen buena. Con mala técnica tendrás más riesgo pero con buena técnica también lo hay aunque sea menor.

Has hablado de la importancia de la prevención. ¿Qué rutinas referentes a ésta deberíamos incluir en nuestras actividad cotidiana?

Calentamiento previo siempre a la sesiones de estudio y descanso. Los descansos tienen que ser cronometrados, 40/50 minutos de música y 10 de parar automáticamente, sin irse al ordenador, ni a la consola, ni hacer absolutamente nada con las manos. Si te apetece puedes estirar, beber un vaso de agua e hidratarte o simplemente descansar.

Un estudiante de grado superior o un profesional necesita dedicarle muchas horas al instrumento. ¿Cuál es el máximo de horas diarias que recomiendas para tocar?

Depende de la persona pero normalmente entre seis y siete horas como mucho.

¿Sobrepasar ese tiempo puede acarrearnos problemas?

Claro, además es que si piensas en la cantidad de horas, a lo mejor es que el estudio no se está realizando de manera inteligente. Al igual que en un deporte programas tu entrenamiento, también podrías programar tu estudio en función de lo que quieres conseguir, cuantos días tienes hasta la siguiente clase, o el siguiente concierto. Yo creo que tampoco nos han enseñado cómo estudiar, eso es un problema que también es fundamental. Repetir por repetir no sirve para nada, si repites los pasajes siempre igual a la misma velocidad siempre fallarás en lo mismo.

Dedicarle tantas horas al instrumento y el agotamiento que ello conlleva suele dejar poco tiempo para otras actividades, entre ellas el deporte. ¿La forma física en general influye?

Si claro, si los músculos y tendones son más fuertes, son más resistentes a las lesiones, por eso hacer alguna actividad física aparte del instrumento es importantísimo. La alimentación también es fundamental.

¿Y qué tipo de actividad física es más recomendable?

Pues correr, nadar... yo siempre recomiendo a mis pacientes que vayan al gimnasio al menos una vez a la semana a fortalecer la musculatura.

¿Hay algún deporte que no sea recomendable?

El tenis para pianistas e instrumentistas de cuerda, ya que haces que los músculos flexores y extensores, que trabajan continuamente, trabajen más aún. También los deportes de mano como el baloncesto pero por el riesgo de lesión que conllevan en las extremidades superiores más que por el deporte en sí.

Todo lo relacionado con mantener una buena postura ante el instrumento también es fundamental. En este sentido, ¿yoga, técnica Alexander y otras disciplinas relacionadas son recomendables?

Si, claro, y taichí o Feldenkrais también, todas esas técnicas que trabajan el equilibrio entre mente y cuerpo son muy recomendables, lo único es que ese tipo de disciplinas no curan si uno tiene una patología. Estas técnicas son muy saludables para tomar conciencia de nuestro cuerpo, de que tensiones tienes y de cómo eliminarlas, pero una vez que uno ya está curado de la enfermedad o lesión que pudiera tener.

Centrándonos en los pianistas, ¿cuales son los problemas más comunes?

Pues lesiones en las manos, tendinitis, codo de tenista y codo de golfista, tendinitis del bíceps y sobre todo problemas de contracturas a nivel cervicodorsal, dolores de espalda (dorsalgias y lumbalgias). Hay especialistas que dicen que unos instrumentistas generan unas patologías y otros otras, pero en realidad casi siempre son las mismas porque se utilizan siempre las extremidades superiores para tocar, así que la gran mayoría están relacionadas con el sobreuso de las extremidades superiores.

¿Y para este tipo de lesiones cual es el tratamiento más adecuado?

Una mezcla entre osteopatía, masaje tradicional, masaje cyriax, la técnica de los puntos gatillo y utilización de frio. Esas cinco disciplinas juntas solucionan muy bien los problemas de tejido blando, como tendinitis o epicondilitis. Estas técnicas son con las que yo trabajo y los resultados son muy buenos.

Cuando uno tiene un problema y acude al médico le suelen mandar reposo y antiinflamatorios. ¿Es eficaz este tratamiento?

No, el reposo no cura ninguna lesión. Si ha sido una lesión leve, producida por un momento puntual, el descanso sí que cura (siempre que descanses un par de días), pero si se trata de una lesión más severa no te va a hacer absolutamente nada.

Hay una creencia muy extendida entre los instrumentistas y es que hay cosas que duelen, seguro que muchos de nosotros hemos escuchado cosas como “para que esto salga tiene que doler”, ¿es eso cierto?

Eso es un error gravísimo. Si duele significa que te estás lesionando y tu cuerpo te va avisando. Y si lo sigues haciendo, vas a acabar lesionado. Esa creencia de que esa extensión o ese ejercicio deben crear dolor no tiene ningún sentido. Si hay ejercicios que son más complicados hay que trabajarlos más lento, más relajados, para que no produzcan dolor.

Entonces, ¿cuáles son los síntomas realmente preocupantes para decir tengo que ir al médico o dejar de tocar, porque esto ya no es una cosa puntual como comentaste antes?

Si es algo puntual normalmente paras, descansas esa tarde o un día y al día siguiente al realizar tu actividad deja de doler. Si dura más días significa que la lesión es más grave y si se mantiene en el tiempo, significa que el cuerpo no ha podido solucionarlo, entonces se empieza a cronificar. Cuando la lesión es permanente y siempre que tocas te molesta o ya incluso haciendo actividades de la vida diaria molesta también, significa que es una lesión seria y tienes que parar e intentar solucionarlo.

¿Lo óptimo que sería, parar de tocar?

Para de tocar, a no ser que sea algo muy, muy grave y que el dolor te impida tocar, no lo recomiendo nunca; se debería tocar un poquito para que no perder masa muscular y no perder agilidad.

Y en el caso de que el músico note molestias pero tenga compromisos profesionales (conciertos, exámenes de cualquier tipo o sea pianista acompañante) y no pueda dejarlo, entonces ¿qué debería hacer?

Si te ocurre eso tienes que buscar un terapeuta que te trate a la vez, en ese momento. Si no, lo que vas a hacer es acabar destrozado.

¿O sea, que se puede compaginar lo que es la práctica con el tratamiento?

Si, yo he tratado a gente de alto nivel que tienen un calendario que no pueden cancelar, y se han curado. Depende también de tu edad, de tu técnica, como estés físicamente, si estás más saludable o menos. Si la lesión es muy grave tienes que parar totalmente, pero si la lesión no es demasiado grave se puede compaginar las dos cosas, y cambiando sobre todo la mentalidad del músico, que ha venido lesionado y cuando vuelve a su actividad tiene que cambiar unos parámetros, no puede hacer lo mismo que hacía antes, tiene que calentar, descansar, fortalecer un poco la musculatura, y esa es la piedra angular de toda esta historia, hay que intentar concienciar y que realmente cambie el concepto de músico y verse casi como un deportista.

¿Hay algún momento en el que la curación ya no sea posible, alguna frontera en la que la lesión sea ya irreversible?

Yo no me he encontrado con nadie, pero supongo que si te han infiltrado, se ha degenerado el tendón y el tendón se ha calcificado (lo que significa que la hidrocortisona se ha quedado dentro del tendón), entonces ahí el único remedio es la cirugía, y ésta a veces puede empeorar aún más las cosas en vez de solucionarlas, pero en cuanto a lesiones músculo-esqueléticas que es lo que yo trato, no me he encontrado a ningún músico que haya tenido que dejarlo, a no ser que sea distónico, que es otra enfermedad totalmente distinta, un desorden del patrón de movimiento de origen neurológico que yo no trato.

En España este tema como vemos está muy descuidado, apenas aparece en los planes de estudios de los conservatorios superiores, ¿por qué es eso?

La medicina de la música es una disciplina que empieza en 1981, hace treinta años, por lo que es bastante novedosa. Los músicos no han interesado demasiado a la medicina porque es un colectivo muy pequeño. Poco a poco habría que ir concienciando a los directores y sobre todo a los políticos de que los músicos son un campo en el cual el índice de lesiones es muy alto y si se previene desde los grados medios y grados superiores sería excelente para que pudieran realizar su carrera completamente. Pero el problema es que si los directores y los profesores no demandan esta asignatura, los planes de estudio se hacen siempre orientados a los aspectos teórico-prácticos de música, pero no de otras cuestiones, lo cual es un error lamentable.

El hecho de que exista una asignatura en los conservatorios superiores ya es un avance, pero ¿sería bueno empezar desde grados inferiores, incluso desde grado elemental?

Grado elemental creo que no. En mi opinión el curso óptimo para empezar sería entre quinto y sexto de grado profesional. En el grado elemental los alumnos casi no tienen tiempo de estudiar, ahí se produce un filtro, y el otro filtro grande se produce entre quinto y sexto de grado profesional, ya que son alumnos que tienen que estudiar mínimo unas cuatro o cinco horas a la semana o más, y entonces los alumnos que no estudian esa cantidad lo suelen dejar. En el quinto sería un buen año porque ya toman conciencia de quien quiere ser músico profesional y quien quiere acabar el grado medio con una técnica y unos conocimientos más o menos aceptables. Aquí en el conservatorio de Valladolid se intentó incluir la asignatura en el Grado profesional, pero la Junta de Castilla y León dijo que no porque había que contratar a otro profesor. Yo sé que se ha intentado en más conservatorios pero la administración suele decir que no. La solución sería que un profesor del centro la impartiera, pero claro, hay que formarse para estas materias.

¿En otros países es igual?

No, en otros países, por ejemplo en Estados Unidos o Inglaterra, las universidades de música tienen un departamento que colabora con las universidades de medicina, así que hay cursos permanentes donde los alumnos si se lesionan tienen orientación y formación. En España estamos siempre un poquito atrás pero estamos trabajando para que eso deje de ocurrir.

¡Gracias a gente como tú!

Bueno, yo entré en esto por lo que me ocurrió, casi tengo que estar agradecido, pero yo conseguí curarme. Lo malo es la gente que no lo consigue y tiene que dejar su carrera, o que se tira muchos años lesionada, y eso es lo lamentable. Lo importante es que los profesores tomen conciencia de que los alumnos tienen que hacer ejercicio físico, calentar antes, y que adquieran unos hábitos posturales que van a ser luego cruciales, porque manos sólo tenemos dos y antebrazos igual y no podemos cambiarlos. Que sea algo constante, y de verdad que si se hace se consiguen resultados muy buenos.

¿Nos puedes recomendar alguna bibliografía para aquella gente que esté interesada en este tema?

En español está muy bien el libro de Esther Sardá Rico “En forma: ejercicios para músicos”. Hay otro libro que también está muy bien para pianistas que se llama “Aspectos posicionales y enfermedades profesionales de los pianistas”, de Marina Ferreira, pero es más complicado de conseguir ya que está editado en Chile. Yo, si tengo tiempo dentro de un año más o menos intentaré publicar un libro, si alguien me lo quiere publicar claro, porque cuando diga que los tratamientos convencionales no funcionan, no dan una solución real… pero intentaré hacerlo de todas formas, ya os contaré.

Publicado en: Entre 88 Teclas.

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sábado, febrero 20, 2010

Gustavo Dudamel y José Antonio Abreu se reunieron con el Presidente Hugo Chávez.

Este sábado 20-02-2010, el fundador del Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, José Antonio Abreu, y el director de la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, Gustavo Dudamel, sostuvieron un encuentro con el presidente de la República, Hugo Chávez Frías, en el Palacio de Miraflores, en Caracas.
A propósito del éxito de la gira nacional del sistema de orquestas, emprendida por los estados Lara, Carabobo, Zulia y Mérida, el presidente Chávez conversó con Dudamel y el maestro Abreu acerca de la importancia del papel que ambos juegan en Venezuela y en el mundo.
El joven director catalogó la reunión con el Jefe de Estado de “maravillosa' e informó que también hablaron del Bicentenario de la Independencia y del nuevo Centro de Acción Social por la Música que tendrá su sede en Barquisimeto, estado Lara.
Afirmó Dudamel que, gracias al sistema, no solamente se está haciendo música sino que se están formando mejores ciudadanos.
"La música, como arte colectivo, empeña al niño y al joven a vivir en sociedad”, manifestó.
Resaltó Dudamel que la meta del sistema de orquestas es cubrir todos los estados de Venezuela.
"Ya he organizado el resto de la gira que es por etapas. La receptividad ha sido maravillosa, logramos reunir 150 mil personas entre toda la gira y todavía falta. La música para todos es el lema de la orquesta”, enfatizó.
Asimismo, resaltó la importancia de que los jóvenes venezolanos tengan gran interés por la música, refiere un comunicado de prensa.
“El sistema de orquestas se ha convertido en un símbolo en nuestro país. Los niños construyen una vida a través de la música y eso es gracias a este hombre soñador (el maestro Abreu) que ha trabajado sin escatimar esfuerzos y ya ha sido copiado por muchísimos países”, acotó Dudamel.
Expresó que la música "es el mensaje de la unión, es el arte, una manera de poner ese granito de arena para hacer de esta patria algo maravilloso”.
Por su parte, el maestro Abreu comentó que “Venezuela es ejemplo grandísimo y símbolo a nivel mundial. Se ha logrado este crecimiento con el apoyo de las familias, de los planteles y de los maestros”.


Publicado en: Agencia Bolivariana de Noticias.

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