jueves, septiembre 25, 2008

Manifestaciones Artisticas

Manifestaciones artísticas: Correspondencia, interrelaciones y diferencia entre las artes.
Al hablar de las manifestaciones artísticas, tendríamos la necesidad de remontarnos a tiempos muy lejanos. Desde la existencia del hombre, este sintió el deseo de expresarse aún con la falta de materiales y métodos sofisticados como los que contamos en la actualidad. Este tipo de expresiones espontáneas y naturales dieron paso a las primeras manifestaciones creadas por el ser humano. Desde cualquier punto de la Tierra, se pueden observar gran cantidad de pinturas, esculturas etc., que según los expertos en el área, representan al arte como sistema socializador, la religión, la guerra y en general la vida cotidiana de cada uno de esos pueblos. La utilización de materiales al alcance de su mano y la experimentación fueron desarrollando nuevas y novedosas técnicas en la creación de lo que conformaría las bases de sus respectivas culturas integradas a través de las artes en sus diferentes formas.
Las manifestaciones artísticas se observan desde infinidad de puntos de vista, resulta conveniente detenernos un poco y clarificar cada una de ellas, con la finalidad de tener una idea más detallado y específica de los conceptos. La pintura, danza, teatro, escultura, el dibujo, la música, literatura, arquitectura etc. forman parte de las manifestaciones artísticas del ser humano. En el caso de la pintura, desde sus inicios la mayoría de ellas son pinturas rupestres de color rojo que era el único color conocido para ese entonces, figuras humanas y de animales representando la cotidianidad de los pueblos (la caza, la guerra, etc.), aunque no se tiene una idea concreta de la forma de vivir de estos primeros pobladores, las pinturas, someramente nos ayudan a conocer la manera en que convivían estos hombres. A medida que el ser humano evoluciona, igualmente evolucionan en sus manifestaciones artísticas y la combinación de estas artes ha producido que las nuevas generaciones formaran nuevas técnicas en el desarrollo de las expresiones artísticas. Nuestro gran ejemplo lo representa la civilización griega, quien nos heredó gran parte de este tesoro. El teatro, la música, las matemáticas, la arquitectura entre otras, las cuales aun se representan en la actualidad. Antes de cualquier otra ocupación en la antigua Grecia, la música era de suma importancia en el desarrollo de un ciudadano integral.
Más cercanamente, se tienen las manifestaciones artísticas y culturales de Venezuela. El arte popular comprende todas las manifestaciones creadoras de un pueblo, atendiendo al sentir y sus necesidades especiales. La influencia de diferentes culturas en el arte venezolano es evidente, la cultura indígena, la cultura africana, la española y mas recientemente la europea (alemana, francesa, italiana, entre otras) se han fusionado y desarrollado una cultura popular rica y variada. Por consiguiente la elaboración de objetos y las festividades de cada uno de nuestras regiones tienen relación con este degradé de diferentes culturas. En particular los objetos artesanales de nuestro país son de gran valor y uso a nivel nacional e internacional. Su confección es de fina calidad. Objetos de variados colores y elaborados con materiales de cada región (sisal, moriche, arcilla, barro, barbotina, caolín, entre otros). La música se destaca ampliamente, la construcción de instrumentos unos más sencillos que otros; pero adaptados a las necesidades de los pueblos. En el caso de los pueblos indígenas, sus instrumentos musicales sencillos; pero con un sonido diáfano y hermoso, en los llanos venezolanos el cuatro, las maracas, la mandolina; muchos de ellos, heredados de nuestros ancestros españoles, acompañan las diferentes actividades del quehacer llanero. Los tambores en los pueblos de la costa, con sus diferentes tamaños y sonoridades expresan la manera de pensar del costeño, otro sentir los embarga y trae a colación las vivencias de sus antepasados esclavos. Cada una de las regiones de nuestro hermoso país representa un tesoro indescriptible y de gran valía.

Correspondencia de las festividades tradicionales de Venezuela.

La tradición popular venezolana representada en sus festividades, muchas de ellas de origen religioso, se ven reflejadas en las celebraciones que durante todo el año realizan las diferentes poblaciones. Entre ellas se encuentran: Las fiestas patronales y celebraciones:
- En Margarita (Estado Nueva Esparta), las dedicadas a la Virgen del Valle en la población del Valle del Espíritu Santo entre el 8 y 15 de Septiembre. Acompañados con (polos, jotas, malagueñas, galerones, fulías), música característica de la zona oriental del país.
- El Velorio de Cruz de Mayo, se realiza desde el 3 de Mayo con características diferentes en cada región. Es la veneración de la Cruz de Mayo, se celebran en su honor ceremonias que son organizadas por organizaciones o cofradías o por iniciativa particular.
- Las Diversiones, conocidas por este nombre, son cantos de corte humorístico, practicados en casi todo el país, éstas son: El Pájaro Guarandol, El Sebucán, La Burriquita, El Chiriguare, La Culebra y el Carite. Esta celebración se lleva a cabo entre el 16 de Diciembre y el 6 de Enero.
- Los Carnavales en todo el territorio nacional, muy conocidos los del Callao y Carúpano. En el mes de Febrero.
- Los Diablos de Yare: Los Diablos Danzantes, una expresión de la cultura popular venezolana, que se celebra en diversas poblaciones del país. La fiesta de los Diablos Danzantes de San Francisco de Paula de Yare, la más reconocida, se celebra en el Distrito Lander del estado Miranda, en el mes de Marzo. Su historia se remonta a la época colonial.
- Locos y Locainas: Una danza bailada el 28 de Diciembre en conmemoración del Día de los Santos Inocentes, de espaldas a la iglesia, al son de pitos y cachos, latas, maracas y cuatro.
- La Paradura del Niño: El los pueblos del estado Trujillo, Mérida y Táchira. Se realiza en los meses de Diciembre y Enero.
- El Baile de los Enanos y la Muñeca de la Calenda en el Estado Trujillo: Manifestación originaria del Distrito Trujillo, según la versión de viejos moradores, es una danza pagana que celebraban los indios que poblaban lo que hoy se conoce como San Lázaro y Santiago. Se celebra en el mes de agosto.
Como éstas, existe diversidad de celebraciones en nuestro pueblo, destacamos las más importantes y conocidas. Valdría la pena ahondar un poco más y salvar muchas de las que se encuentran en peligro de extinción.

Interrelaciones y diferencias entre las artes

Las artes pueden clasificarse de diferentes maneras:
Las Artes Auditivas, las Artes Visuales, Literatura, y las Artes Mixtas (que en este caso, sería la interrelación entre ellas).
Las Artes Auditivas: Incluyen todas las artes del sonido, que para todas las finalidades prácticas, utiliza música. La música consta de tonos musicales, es decir sonidos de un tono determinado, junto con sus silencios, presentados en un orden sucesivo.
Las Artes Visuales: Incluyen todas aquellas artes que constan, fenomenalmente, de percepciones visuales. Su reclamo se dirige primariamente a la vista, aunque no exclusivamente, porque algunas pueden estimular el sentido del tacto. Las Artes Visuales incluyen gran variedad de géneros: Pintura, escultura, arquitectura, y virtualmente todas las artes útiles.
La Literatura: Es mucho más difícil de clarificar. Indudablemente, no es un arte visual, de hecho un poema no necesita ser escrito. Tampoco es un arte auditivo.
Ocurre a menudo, que el efecto de un poema aumenta cuando es leído en voz alta; Pero su valor no disminuye cuando no es leído así, ni precisa ser leído en voz alta para actuar como poema. Si la literatura fuese un arte auditivo, pertenecería al arte de la música; y para un auditorio entendido, el placer de la poesía difícilmente puede compararse con el de las composiciones musicales.
La manera en que se relacionan las artes está dada por el siguiente aspecto:
Existen las Artes Mixtas, las cuales incluyen todas aquellas artes que combinan uno o más de las anteriores artes descritas. Así, La ópera mezcla la música, las palabras e imágenes visuales, aunque con el predominio de la música. Las representaciones teatrales combinan el arte literario con la habilidad escénica y las imágenes visuales.
En el caso de la danza, predomina generalmente lo visual, mientras que la música sirve de acompañamiento. En el cine están presentes todos los elementos.
El tipo de trabajo que cada arte pueda realizar depende primariamente de la naturaleza del medio. Así artes visuales son artes del espacio, y pueden reproducir el aspecto visual o apariencia de objetos mucho mejor que cualquier descripción.
Por otra parte, no pueden representar el movimiento, sucesión de actos en el tiempo; esto puede hacerlo la literatura, donde el orden de los elementos en el medio es temporalmente secuencial. En una obra pictórica nuestro orden es secuencial porque podemos concentrarnos ahora en una parte y después en otra. Si embargo, el cuadro entero se halla ante nosotros todo el tiempo, y no se nos impone ningún orden para contemplarlo. En el caso de la escultura su contemplación depende a menudo de la dirección que sigamos al movernos en torno a ella; y al no poder contemplar el objeto de manera tridimensional, el aspecto temporal es más importante que en la pintura.
La música está inseparablemente vinculada al orden temporal de los tonos como en la literatura de las palabras; no podemos invertir el orden de los tonos en una melodía al igual que no podemos invertir el orden de dos palabras en una frase.
Finalmente, se puede agregar el hecho de que, las manifestaciones artísticas están presentes en la naturaleza, quien ha fungido de ejemplo para crear la gran cantidad de modalidades artísticas conocidas hasta el momento. El cielo azul, los árboles, los animales, las montañas, el mar, el sol y el mismo ser humano constituyen una gran obra artística creada por el ser supremo, para quienes creemos que exista. Independientemente de esta situación, lo importante es que esas manifestaciones existen y el hombre con su curiosidad ha logrado plasmarlas de alguna manera.
El arte es cambiante, esperemos que a futuro logremos desentrañar aún más la esencia y lograr el fusionamiento con la finalidad de establecer un plano de sublimidad que esté en consonancia con nuestro espacio, y un desarrollo que nos permita vivir libremente con todo nuestro entorno.

Referencias:

Centro de Arte y Educación Pepe Cáceres..

Fraticola, P. (2005). Estética, historia y fundamentos.

Gobierno Bolivariano de Venezuela (2006) Manifestaciones artísticas y culturales de Venezuela.


Por: Henry Quintero

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sábado, septiembre 20, 2008

La Tonada hecha Hombre

José Gerardo Guarisma Álvarez
Rector de la Universidad Bicentenaria de Aragua.

La sabana venezolana pareciera en lontananza, un llano mar que se extiende al infinito, “puntero en la soledad”, un silencio que canta, que palabrea un silbido hecho verso, un verso que rema entre rimas un sentimiento fluido como las aguas del río a cuya vera se canta. Un amor sembrado en un ancho lienzo de tierra cálida, donde el espíritu sueña, entre olores de mastranto, el perfume de la vida donde el sentimiento yace, “mi querencia”.
La sabana abrió los ojos entre soles y lunas, en la octava hora del octavo día del octavo mes del calendario de un año veinte tambien octavo , y con los ojos abiertos por la fuerza telúrica de un instante extraordinario, alcanzó a exclamar su nombre cuando un niño brotaba de su vientre ¡ Simón!. Y Simón fue el niño hecho hombre. La piedra angular de la iglesia de nuestro folklore.El alma nacional convertida en manantial de inspiración, en la voz y poesía del extraordinario cantautor que sembró los corazones de su tierra para que cantaran juntos las tonadas del ordeño, y con ellas, enternecieran al continente y su cultura, con un amor que trasciende lo humano en tanto que es el amor hacia y desde la naturaleza, donde aquél se inscribe.
En un año octavo con un veinte precedente, en este 2008 de nuestros días, el hijo mayor de la sabana cumple ochenta años de vida física. Vida fructífera, vida ancha, vida plena, vida en la cual convirtió un mandado a la capital a sus veinte años, en un mandamiento de vida para las próximas generaciones: hagan de sus vidas portentosos ríos a cuyo cauce no se les niegue el agua y hagan de su amistad una sabana, infinita y llana, ancha y diversa, propia en lo ajeno para cobijar el amor de todos, como nido de turpial en el caney convertido en el paraíso del mundo.
Simón Diaz, el tío de todos, el Tío Simón, ha hecho que su música pueble al mundo. Y con ella, esa forma especial de sentir al cantar, cuando se hace cantar a la naturaleza en la voz de todo un pueblo. De allí proviene la fuerza de su arte.Es capaz de convertir el aguacero de las penas en un río que alegre irrumpirá de la montaña luego de un parto de flores y emociones.
La Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación lo distinguirá el próximo 12 de Noviembre con un Grammy Especial, en ceremonia que tendrá lugar
en el Hobby Center for the Performing Arts en la ciudad de Houston. La Academia reconoce de esta forma la pasión y calidad artística del eximio compatriota, cuya música se ha extendido durante varias décadas a lo largo y ancho de muchos países, incrementando el acervo de la música latina en todo el mundo.
En efecto, desde la grabación de su primer disco en el año 1963, ha realizado más de 70 volúmenes a lo largo de su carrera como cantante y compositor. En la memoria colectiva se escuchan consecuentemente sus emblemáticas melodías. “Luna de Margarita”, “La Vaca Mariposa”, “Tonada de Luna Llena”, “Mi Querencia” y “Caballo Viejo” para mencionar algunos de los temas que surgieron de la inspiración de este poeta para deleitar a propios y extraños .
En particular “Caballo Viejo” , una de las canciones venezolanas más famosas en el mundo entero, que ya cuenta con 400 versiones, ha sido traducida a por lo menos 12 idiomas, y entonada por los vocalistas mas renombrados de todos los géneros musicales.
Aún podemos agregar más. Su melodía en ocasiones, se ha desprendido de la voz humana para tomar por voz los acordes de la orquesta sinfónica o los efluvios de la música electrónica del siglo XXI. Esas tonadas van adquiriendo ribetes extraordinarios
ensayando nuevas palabras, nuevos aires, nuevas resonancias que conservan el tronco común de su inspiración.
La música de Simón se encuentra proyectada al entorno universal. Así como el pesebre inspiró a todo el barroco europeo que le cantó y compuso con espectacular grandeza al sencillo aposento inicial del redentor de los hombres, el caney representa el pesebre del llano, el lugar donde se recrea el primero haciéndolo patrimonio de la naturaleza, de la vida, compartiendo con él la belleza de su sencillez, la humildad de su generosa alegría. Porque la grandeza de la música de Simón es que no se apartó de la sencillez cristalina de lo humilde, que supo buscar los acordes a su cuatro de inspiraciones en la flauta de las aves, en el coro de los jóvenes vacunos, en el violín del silbido de una abeja que anuncia la dulzura del panal protegido, o en la sonrisa simulada de envidencias del caimán que ha satisfecho sus deseos.
Esa grandeza sencilla, esa sencilla grandeza, esa humilde manera de enseñar la cordialidad sin señoreo, esa mano musical que se aproxima fraterna para culminar en el abrazo sincrético de la creación compartida, generosa, magnánima en su esencia, es lo que hace universal el arte del músico nacional por excelencia.
No escapó de su acción la aproximación a los más jóvenes. Su programa “Contesta por Tío Simón” estableció la concreción de un vínculo vivencial, cercano, cotidiano, corpóreo y no etéreo, entre los niños y la cultura nacional.Porque Simón sabía que el problema de la cultura es un problema de amor, es un problema de comunicación, es un problema de afectos. Y esos amores nacen y crecen en la niñez, porque si no se siembran cuando la tierra del amor es fértil, luego, la aridez de la vida puede restarle el alimento para crecer. Y a una Patria, hay que alimentarla desde la semilla para hacerla tierra fértil.
Allá lejos, en lontananza, el creador presiente la cercanía de la sabana infinita y su horizonte de mares ignotos, desconocidos. Nunca estuvo lejos, siempre cercana en los hechos y lugares que han poblado su dilatada vida de referencias.Esa vida que ha sembrado sus días con un caney de alegrías, le dió una compañera para que tremolara en ella su alma de picaflor saltarín pero consecuente y leal con el néctar de sus amores. Le dió hijos amantes de la naturaleza, del afecto y de los amigos, y le encarnó la poesía en la musa de una hija que concibió su alma de poeta redentor en el vientre de su compañera Betty, sabana plena. No le ha faltado pues, el sentimiento del Jesús complacido ni la comprensión del Dante, de Cervantes, de los grandes hombres en sus grandes momentos.Los intérpretes de la actualidad de ese mundo interminable del navegar sin fin de las artes, lo abrazan y se alegran de contarle entre ellos, como expresión viva y tambien infinita, de la sabana que se expande ante la vista. Y la escena no deja de ser humana. Pero en su terrena dimensión tiene una percepción divina.El que nuestra cultura que canta y danza al corazón en todas sus expresiones, se reúne alrededor del Tío Simón para plasmarlo en un momento no congelado de nuestras vidas, porque tenemos una tonada para ordeñar al futuro en un nuevo amanecer y un corazón cercano que ofrecer para aquilatar nuestros afectos en el alba siempre naciente
de una humanidad amiga.

José Gerardo Guarisma Álvarez

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miércoles, septiembre 17, 2008

La Voz, el Canto y el arte de Comunicar

"Una palabra no comienza como palabra, es un producto final que se inicia como un impulso o estímulo en la actitud y conducta de los individuos como necesidad de expresión.
La necesidad de nombrar según Freud, se da gracias a la ausencia y su vez al reconocimiento del otro (entendiendo “el otro” como lo que está fuera de mí), esto es lo que hace posible el tránsito a lo humano, porque el sujeto solo se constituye como tal a partir del símbolo, es decir, el hombre solo toma conciencia de si mismo en el momento en que por primera vez dice “yo” pues el yo se revela en la palabra como una representación de sí mismo.
Esta posibilidad de nombrar las cosas, le permite al individuo hacerlas presentes en la ausencia, porque justamente ya tiene una representación de ellas en el cerebro. Este es el inicio de inmersión en el universo del lenguaje, gran salvador de distancias en el espacio y en el tiempo que nos permite nombrar lo que no está y actualizar lo que ha dejado de suceder.
La voz humana es la forma en que materializamos nuestros pensamientos y dejamos ver nuestras emociones y dentro del proceso de crecimiento la vamos descubriendo en la medida en que nos relacionamos con el entorno y sentimos la necesidad de nombrarlo.
Cuando el ser humano habla, incluso cuando lo hace a solas o juega con el eco, está hablando para otro, habla para ser escuchado y reconocido; habla para ser interpretado, amado, odiado, deseado, etc. En síntesis para SER. Cuando habla intentando con ello comunicarse, también puede caer presa de enredarse con las palabras, porque ellas; así como son el vehículo en el que navega el ser, también y con mucha frecuencia, naufraga.
En el proceso de socialización, ocurre una fractura entre lo que se piensa y lo que se siente, con lo que realmente expresamos; generando hábitos que limitan su expresión, empobreciendo la voz, por lo que la gente no se habitúa a hacer un uso saludable de ella.
Algunas de estas reflexiones servirán como herramienta para cantantes y todas aquellas personas que de una u otra manera enfrentan públicos.
Hay aspectos que toda persona al enfrentar público debe tener en cuenta, hay dos en particular importantes: Nunca subestimarlo o dar por sentado que este interpreta lo que uno quiere transmitir. El público lo ve todo, desde la presentación personal, una mala proyección de la voz, o una postura incorrecta. Son elementos que manifiestan inseguridad o desconfianza.
¿Cuál es entonces el sentido de la presentación ante los espectadores y el manejo de la voz?
Todo esto radica en la habilidad del cantante para lograr la atención y para ello el comunicador se vale de herramientas de expresión del cuerpo, la voz y el gesto.
Para lograr este fin primero tiene que tener conciencia de si mismo, conocerse, auto-evaluarse. Es decir volver a verse. No solamente exponerse al reflejo de su imagen en el espejo; también tener conciencia de sus gestos, modulaciones, perfiles, planos, maquillaje, peinado, vestuario, etc.
Los problemas de dicción, proyección de la voz y presentación personal no son hechos aislados cuando se está frente a un público. No es lo mismo departir con el vecino que cantar ante una audiencia o público meta.
En muchas ocasiones se puede tener un gran propósito o idea para transmitir, pero problemas que son como la baja auto-estima, timidez, trastornos en la personalidad constituyen un gran impedimento y en ocasiones escuchamos voces apagadas, inseguras y poco audibles, que no generan interés.
Para la mejor comprensión de esto vamos a hablar de ello por separado.
El fenómeno de la comunicación brinda elementos en los que el artista hace uso en circunstancias diversas. Cuando hablamos de la voz, hablamos de aspectos básicos que son: respiración, afinación, postura y proyección (elementos que se trabajan en el canto), con estos elementos de expresión encontramos una tonalidad adecuada para dirigirnos ante el público meta y está relacionado con la técnica vocal y la expresión (técnicas que muchas escuelas de música y canto trabajan). Durante la emisión de la voz se manejan cualidades como son el volumen, manejo del aire, los matices, el brillo y coordinación de la salida del aire.
Una vez adquirido este proceso, el cantante logrará una evolución natural de la voz. Tendrá conciencia en la dicción, acentuación, pausas y cadencias de la voz. Este tipo de cadencias y pausas están condicionadas frente al objetivo o impacto que se quiere lograr con el público meta.
También hay que tener en cuenta los géneros musicales en que se enmarca lo que se va a interpretar (canto lírico, canto popular y otros), ya que la voz debe verse como un personaje.
La voz es nuestra carta de presentación por lo tanto hay que recurrir a la técnica para no caer en el mal uso o abuso de ella puede llevarnos a patologías como nódulos, pólipos y disfonías.
Siempre hay que tener en cuenta que, lo que se quiere decir está condicionado; es decir el cantante busca un objetivo en la interpretación y los elementos que se utilizan para lograrlo, son planeados con antelación ( por no decir ensayados), el timbre de voz, las pausas, las acentuaciones en ciertas palabras, plasmar momentos emotivos, etc.
Son elementos que hay que saber emplear y va unido a las fortalezas que tenemos en nuestra imagen física que generalmente es innato en nosotros (debemos hacerla grandilocuente sobre todo si sabemos que funciona para el público), debemos resaltar todo aquello que es ganancia y favorece la atención del público.
En la presentación física me refiero a lo que se ve, es decir a cómo me ven, la interpretación de mi mismo tiene que ver con la gestualidad, vestuario, peinado, maquillaje, etc. Genera una proyección que el espectador ve como confiable y fresca.
En un rostro podemos ver aspectos como cansancio, angustia, inseguridad, malas noches, carácter, etc., y es muy importante para el cantante que las intenciones verbales y no verbales estén sincronizadas y atrapen al público. Un poco lo que en teatro se llama presencia escénica.
Internamente el cantante debe estar consciente que, lo que busca es una especie de emoción en el espectador y esto genera atención en él y nos seguirá en todo lo que hagamos e inversamente yo estoy recibiendo una respuesta de aceptación o de rechazo de acuerdo a la lectura que voy observando en sus elementos no verbales que nos manifiesta.
Esta parte casi se convierte en una respuesta intuitiva que se aprende a reconocer con la práctica y es en este tipo de prácticas es donde conocemos nuestras limitaciones, sin necesidad de que nos digan cómo nos fue o recibir palmaditas en el hombro. Porque el mejor crítico es uno mismo.
A continuación dejo unas recomendaciones importantes para el manejo del público:

-Ser preciso

-Buscar la manera de captar la atención del público desde el inicio (con una idea interesante).

- Utilizar un buen volumen de voz .

-Adoptar una posición correcta y cómoda para el cuerpo (postura corporal)

-Utilizar gestos de la cara y las manos para reforzar lo que se dice

-Cantar claro, con buena dicción.

-Conectarse con imágenes para desarrollar la imaginación

-Dominar lo que se quiere comunicar

-Convencer,envolver emocionalmente el público

-Buscar propuestas nuevas

-Descansar, calentar el cuerpo antes de…

-Calentar la voz

-Entregarse en escena (disfrutarlo), ofrecer lo mejor de sí mismo

-Manejar roles o personajes (sin pretender parecerse a nadie)

-Dar a conocer tus cualidades que te hacen único

-Enfrentar público en diferentes lugares y situaciones

-Hacerse respetar que escuchan en silencio y atención

Saber manejar la respiración es un aspecto esencial y de grandes beneficios para mantener la calma en nuestros músculos, gestos y movimientos. Por que además de regular el ritmo cardíaco, bajando la presión sanguínea; produce un estado de quietud y armonía, mejora la visión periférica, controla el stress, oxigena el cerebro calmando y controlando el proceso del pensar, permite que nuestras ideas sean claras y coherentes.
El calentamiento de la voz mediante ejercicios de vocalización libera endorfinas que son las encargadas de mantener un buen estado anímico. Esta, unida a la respiración, le da un mejor apoyo a la voz, mejora la coordinación de los grupos de músculos que se utilizan en la oratoria y el canto, activando la energía corporal y los sistemas de información.
Respirar es un acto pasivo e inconsciente, sin embargo se puede hacer conciente para lograr un mejor desempeño.
No es un camino fácil el asunto de enfrentar públicos, pero hay que ejercitar la habilidad de expresar y comunicar opiniones, sentimientos, ideas y convicciones propias con claridad y eficacia. Buscar otras maneras de comunicar en las demás artes como la plástica, la pintura, el audiovisual, que también tienen una particularidad en lo relacionado a la transmisión de mensajes o ideas.
Hay tres elementos que son el núcleo de trabajo sobre la comunicación: postura, respiración y objetivo. A partir de estos enunciados podemos desarrollar otros aspectos técnicos a la hora de enfrentar público.

Postura: Apoyar bien los pies en el suelo, si el apoyo es firme y equilibrado, ayuda a la coherencia y fluidez en el manejo del discurso.

Respiración: Usar muy poco aire o tomar más del que se necesita para hablar o cantar, puede generar exceso de tensión en la garganta y cansancio. Lo ideal es saber dosificar la cantidad de aire que se requiere.

Objetivo: Tener un propósito específico al efecto que desea causar en el publico, debe verse como necesidad sincera que la audiencia percibe en el cantante. La existencia de este compromiso constituye una energía que compensa naturalmente las fallas en la ejecución.

Estoy segura que con la práctica y la aplicación de recursos para vencer el miedo o la ansiedad practicando ejercicios de relajación, aumentará la confianza en si mismo; soltar los músculos del cuerpo mediante respiración y ejercicios corporales, imaginar que estas haciendo bien las cosas, que estas cómodo y seguro, ensayar mucho para lograr la experiencia necesaria. La planificación y el tiempo que se dispone, el tipo de audiencia para encauzar el objetivo, los apoyos visuales, son elementos de gran ayuda para todas aquellas personas que de alguna manera han pasado por los mismos y similares vacíos en lo que al manejo del público se refiere".

Por: Cristina Vargas Rodríguez.

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lunes, septiembre 15, 2008

Música e integración

Didáctica musical basada en la experiencia socio educativa de La Rimbombanda.
La música como herramienta de integración psico física y psico social.
Realizado por niños de 3º grado de la escuela Roque Sáenz Peña de la localidad de San Marcos Sierras, provincia de Córdoba, Argentina.



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miércoles, septiembre 10, 2008

Historia de la Musica Electroacustica

La aparición de la música electroacústica a mediados de siglo XX no se debe exclusivamente al nivel de desarrollo tecnológico alcanzado y construido sobre una serie de antecedentes igualmente tecnológicos. La música electroacústica no es tan sólo una respuesta a las propuestas tecnológicas de la época, y sus fundamentos se encuentran tanto en los movimientos estéticos de las vanguardias, como en la gradual búsqueda de recursos sonoros y organizativos en la composición con instrumentos acústicos desde principios de siglo.
Es por ello que debemos entender que, a pesar de los numerosos artilugios electrónicos que desde un punto de vista tecnológico son los predecesores inmediatos del medio electroacústico, no es hasta el momento en que hay una conciencia compositiva formada y consolidada alrededor de las nuevas posibilidades sonoras derivadas de la electrónica, que la música electroacústica hace su aparición en escena. Esto explica que algunos de los primeros aparatos productores de sonido electrónico no implicaran ninguna renovación conceptual profunda en el mundo de la composición musical, y que los compositores les prestaran escasa atención. Éste es el caso del Telharmonium (1906) de Thaddeus Cahill, una especie de sintetizador antiguo que se usaba para distribuir música ambiental por línea telefónica. El Theremin (1920) de Lev Termen, tuvo aplicaciones musicalmente más interesantes. Aun así, se utilizó principalmente para interpretar melodías clásicas y tradicionales aprovechando sus características tímbricas con cierta similitud a la voz humana. Las ondas martenot (1928) de Maurice Martenot, fue un instrumento considerablemente más utilizado por compositores de vanguardia (Milhaud, Hindemith, Messiaen, etc.). Mientras, el primer órgano electrónico Hammond (1929) de Louis Hammond, fue un instrumento incorporado rápidamente por los músicos de jazz. A partir de los años 30, aparecen los primeros magnetófonos de velocidad variable, cuyo perfeccionamiento, juntamente con la innovación estética y conceptual en la creación musical, proporcionaría finalmente la base para la aparición de los primeros estudios electroacústicos y la aparición de una nueva disciplina musical (música concreta) basada en la transformación de sonidos reales (concretos) previamente grabados.
Al margen de lo tecnológico, los antecedentes musicales que forman el caldo de cultivo para una estética del medio electroacústico son diversos. Por un lado, el dodecafonismo de la segunda escuela vienesa (Arnold Schönberg, Anton Webern y Alban Berg), que fue seguido del estudio “Modos de valores e intensidades” de Oliver Messiaen y del serialismo integral de los años 50 (Pierre Boulez y Karl Heinz Stockhausen), genera una creciente necesidad de precisión en los ritmos, las duraciones, las frecuencias y las intensidades de los sonidos, así como una gradual parametrización en la composición musical. Esta tendencia por la absoluta precisión, a menudo imposible para el intérprete humano, se vio satisfecha por el control cuantificable de los parámetros sonoros que los medios electrónicos podían ofrecer. Además, la complejidad perceptiva de la lógica constructiva del serialismo integral acabó generando texturas musicales aparentemente caóticas para el oído, resultando a menudo en masas sonoras más identificables por sus texturas tímbricas que por las relaciones estructurales entre sonidos individualizados.
Otras incursiones de signo distinto en el plano de la organización estructural de los sonidos fueron propuestas por John Cage mediante el uso del azar. Cage, inventor conceptual del indeterminismo musical, pretendía liberar el sonido y la música de la voluntad constructiva del compositor. También aquí, el resultado sonoro fue, en ocasiones, la creación de nuevas combinaciones y texturas sonoras. Esta línea entronca más adelante con nuevas formas de azar controlado mediante leyes de probabilidad en la música estocástica de Iannis Xenakis.
Por último cabe destacar aquellas tendencias que buscaban deliberadamente la incorporación de nuevos sonidos y timbres a los de la gama de instrumentos tradicionales de la orquesta. Así los movimientos vanguardistas utilizaron nuevos sonidos, e incluso construyeron nuevos instrumentos como los Intonarumori del futurista Luigi Russolo (1913), que eran máquinas de producción de ruido de características variadas. Otros autores, como Milhaud o Hindemith, llegaron a utilizar máquinas de escribir, u otros objetos, en sus obras. Edgar Varèse anhelaba en sus escritos el día en que sonidos y masas sonoras se moverían libremente en el espacio gracias a los avances tecnológicos, y mientras tanto, expandía el uso de los instrumentos existentes en obras como “Ionización” para 13 instrumentos de percusión, en la que substituye el elemento básico “nota” por el de sonido percutido de afinación indeterminada. También John Cage, hace una importante contribución en este apartado de exploración tímbrica con la invención en los años 30, del piano preparado; un piano entre cuyas cuerdas se insertan objetos de índole diversa para conseguir sonidos, vibraciones y efectos percusivos varios al tocar el instrumento.
Estas tendencias experimentales que se desarrollan antes, durante y después de la aparición de las primeras músicas electroacústicas, definen un marco conceptual de exploración del sonido y su organización formal que se ve parcialmente recompensado con las posibilidades que proporciona el nuevo medio. Por todo ello, hay que entender la creación de la música electroacústica como el desenlace de una diversidad de tendencias tanto conceptuales como tecnológicas dirigidas hacia la búsqueda consciente de nuevas posibilidades sonoras, y no simplemente como el resultado del grado de desarrollo alcanzado en las últimas. El mismo Pierre Schaeffer, quien en 1948 (año oficial del nacimiento de la música concreta) realiza sus primeras obras electroacústicas en los estudios de la Radio Nacional Francesa, partía de una conceptualización de los objetos sonoros y su percepción, basada en la fenomenología de Husserl, como posteriormente ejemplificó en su “Tratado de los objetos musicales”.
A partir de 1948 empiezan a aparecer los primeros estudios de música electroacústica, entre los cuales, algunos de los más importantes son:

Pierre Schaeffer (técnico de sonido de la Radio Nacional de Francia) inventa la música concreta (1948) consistente en transformaciones en cinta magnetofónica de sonidos reales (tren, pasos, mar, etc.) que Schaeffer denominó “objetos musicales”. Tienen connotaciones semánticas además de su valor como sonoridad. Las transformaciones más habituales eran variaciones de velocidad en la reproducción de la cinta, cambio de dirección (tocar hacia atrás), cortar y pegar fragmentos de distintos lugares y procedencias (como un montaje fotográfico o un collage pictórico). Poco después se le unió el compositor Pierre Henry y en 1951 crean el Grupo de Música Concreta (GMC) que todavía perdura. En este nuevo estudio trabajaron muchos de los compositores más importantes del momento (Messiaen, Varèse, Boulez, Stockhausen, Xenakis).

En 1951, Vladimir Ussachevsky y Otto Luening fundan un estudio en la universidad de Columbia. Derivan de la música concreta pero transforman esencialmente sonidos instrumentales (flauta, piano, etc.).

En 1952, Herbert Eimert funda el primer estudio de música electrónica (no concreta) en la Radio de Alemania Occidental en Colonia. Esto creó dos categorías en la música generada con medios electrónicos, que se mantuvieron como tendencias separadas durante algunos años.

Además de magnetófonos, el estudio de Eimert incorporó filtros de sonido, osciladores y generadores de ruido, amplificadores de señal, etc. Esto permitió construir el material sonoro desde cero, y no tan sólo transformar el ya existente, de manera que el timbre podía ser una resultante del proceso de composición y no, como hasta entonces, un material preformado. Aquí realizó Stockhausen sus primeras obras electrónicas (no concretas): Studio I (1953) y Studio II (1954). Mediante la combinación de sinusoides (sonidos puros sin armónicos como el de un diapasón) se producen sonidos complejos (proceso denominado síntesis aditiva). Studio II fue, además, la primera obra electrónica con partitura gráfica representado los sonidos electrónicos y sus características. Stockhausen también hizo, poco después, obras con sonidos reales y electrónicos, como por ejemplo “Gesang der Jünglinge” para voz infantil y síntesis substractiva (ruido filtrado).
En 1955 se crea el Studio di Fonologia de Milán. En este estudio se trabajaba sin distinción con música concreta y electrónica. En el compusieron Henri Pousseur, Luciano Berio, y John Cage, entre otros. Berio realizó su: “Thema: Omaggio a Joyce” (1958), y Cage su “Fontana Mix”, también en 1958.

En los años 50 aparecieron numerosos estudios de música electrónica dependientes y financiadas por radios: Tokio, Varsovia, Londres, Bruselas, Estocolmo. También algunos en universidades y otros privados en EEUU y Canadá.
En España, el primero (y único estudio durante muchos años) fue Phonos en Barcelona (1975), actualmente integrado al Instituto Universitario del Audiovisual de la universidad Pompeu Fabra.

Los primeros sonidos generados por ordenador hicieron su primera aparición en escena en 1957 en los Bell Telephone Laboratories (conocidos como Bell Labs en la literatura del medio) en Nueva Jersey de la mano de Max Mathews, científico, músico y uno de los principales investigadores e impulsores de la música con ordenadores durante las cuatro últimas décadas del siglo XX. Un año antes, Lejaren A. Hiller y su colaborador Leonard M. Isaccson habían producido la primera composición realizada por ordenador “The Illiac Suite”, un conjunto de estructuras musicales para ser interpretadas por un cuarteto de cuerdas sin sonidos electrónicos.



Tomado de la página de la Escuela Superior de Música de Catalunya.

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lunes, septiembre 01, 2008

Metodo Martenot

Maurice Martenot nace en París, Francia, el 14 de octubre de 1898 y muere en Clichy el 08 de octubre de 1980. Desde muy corta edad comenzó a tocar el piano, pero también se destacó en el violoncello, la ópera, el estudio de la armonía y del contrapunto. Sirvió en la Primera Guerra Mundial y alcanzó el rango de sargento. En ese entonces se desempeñó como radiotelegrafista y esa experiencia lo lleva a profundizar sus estudios, ya como ingeniero, sobre las vibraciones de onda en los tubos radiales, llevando estos resultados al campo de la música, el sonido y la electrónica. En 1928 descubre las Ondas Martenot, como resultado de su búsqueda de nuevos medios de expresión.
Dedicado a la pedagogía y a la enseñanza musical, sus principios se basan en el énfasis a los resultados concretos y tangibles en la educación musical, dándole mayor relevancia al presente que al futuro. Para Martenot, la música es una expresión privilegiada que afecta a la totalidad del ser; un músico que toca sin alma no puede realmente tener acceso a la música.
Además de destacar la importancia del músico y su papel en la sociedad, también destaca la grandeza y exigencia de la enseñanza artística; el Educador debe estar conciente de la importancia de su misión.
Martenot
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