domingo, agosto 31, 2008

Metodo Maurice Martenot

El método creado por Maurice Martenot intenta aunar todos los elementos didácticos para poner la formación musical al servicio de la educación general.
Martenot considera que la educación musical es parte esencial de la formación global de la persona , atribuyendo esta idea a despertar las facultades musicales del niño en la educación escolar. Opina que su método es más bien un camino hacia un fin.
El método en sí se fundamenta en la investigación del autor acerca de los materiales acústicos , en la psicopedagogía y en la observación directa del niño.
Para trabajar el solfeo , se parte primero de todo lo vivido a través de una iniciación musical que pretende despertar la musicalidad de las personas . Esta etapa se realiza mediante diversos juegos y propuestas musicales lúdicas , en los que se presentan de manera separada el ritmo , la melodía y la armonía . Una vez superada esta etapa , se pasa al estudio del solfeo , de forma que la escritura y la lectura musicales supongan la memoria de una vivencia musical que integre los conocimientos para expresarse , improvisar , interpretar y componer.
En conjunto , la educación musical constará de Sentido rítmico, Relajación, Atención auditiva, Entonación, Equilibrio tonal, Iniciación al solfeo, Armonía y transporte.

Fundamentación pedagógica

Hay una serie de principios en los que se sustenta el método entre los cuales deberían ser los siguientes :

-Entender la música como liberadora de energías , capaz e arrojar complejos y dulcificar sentimientos tristes . La música es un poderoso factor de equilibrio y de armonía , ya que permite al niño expresarse con libertad.
-Conceder gran importancia a la influencia del ambiente musical en el que se desarrolla la educación , especialmente en lo referido al maestro , tanto con respecto a la personalidad como al método usado. Entre las cualidades del docente , Martenot señala la capacidad para la dirección afectiva de la clase , de forma que reine una flexible disciplina.El profesor debe ser firme y suave , activo , acogedor , inspirado de confianza y respeto . El método debe favorecer los conocimientos que fomentan el desarrollo de las capacidades musicales .
-El factor Tempo.

En sus investigaciones , observó que la participación activa de los niños durante la lección debe desarrollarse a un tiempo cercano al movimiento del metrónomo colocado en 100. También descubrió que un tiempo superior a 100 produce agitación y sobreexitación ; y que a la inversa , un tiempo inferior produce falta de atención y baja actividad .
*La relajación , la respiración tranquila y el equilibrio gestual son necesarios para la salud y para la interpretación musical . El método contiene una serie de ejercicios destinados a lograr el dominio de los movimientos y a realizar estos de forma habitual y armoniosa con la justa proporción de esfuerzo , con los músculos necesarios para cada acto.
*El silencio que debe ser tanto interior como exterior . A él tan necesario en la práctica musical , se llega en el método a través de la relajación.
*Alternancia entre la actividad y la relajación .En sesiones de clase deben programarse momentos de concentración y otros de relajación , intercalados en los anteriores . Al principio sesiones activas con juegos , y después ejercicios de atención auditiva.
*Importancia del principio de la progresión , realizando mediante distintos niveles de complejidad los juegos y ejercicios .

Desarrollo del sentido rítmico

Es la primera función de la educación musical , porque se trata de manifestar el ritmo viviente propio de todo ser humano . Según las orientaciones de Martenot , para favorecer el estado rítmico de actividad es necesario mantenerse en pie , mientras el cuerpo reposa con naturalidad sobre la planta del pie derecho hacia delante , y el busto se mantiene libre ; o bien sentado sobre el borde de una silla con el busto erguido y la cabeza alta.
El desarrollo del sentido rítmico se conseguirá a través del trabajo de las siguientes capacidades :

-La facultad de exteriorizar con precisión sílabas rítmicas a través de una sílaba labial .
-La capacidad de percibir las pulsaciones del tiempo con rigurosa precisión .
-La habilidad para expresar simultáneamente con independencia y perfecta precisión los ritmos y las pulsaciones del tiempo.

*La relajación.
La relajación tiene como objetivo dar a los alumnos paz y energía interior . La actividad propuesta es segmentária , es decir, por partes separadas del cuerpo.
Martenot le da mucha importancia a la relajación , y describe la actitud del profesor al respecto , quien debe crear el clima de paz y silencio .
Los diversos ejercicios de la relajación de los miembros persiguen el reposo físico y mental , la flexibilidad de todas las articulaciones y el dominio sobre los grupos musculares que las gobiernan .
Las actividades de audición van precedidas en ocasiones de uno o dos ejercicios de relajación para favorecer la atención auditiva.

*La audición

El alumno debe partir del carácter inmaterial de la música , y no de las alturas de su colocación en el pentagrama . Debe tenerse en cuenta que el instrumento de ondas Martenot está indicado para la audición de timbres y alturas diferentes .
La base de la audición estará en crear la atención auditiva desde el silencio . Para ello deberemos :
-Escuchar el silencio del aula y , a continuación y a modo de contraste mostrar el sonido de un instrumento.
-Concienciarnos de que , para apreciar el verdadero sonido , es necesario que todo esté bien tranquilo a nuestro alrededor y en nuestra propia persona .
Algunas orientaciones metodológicas que favorecen el clima preciso para la audición :
/Partir del reconocimiento de melodías y timbres previamente conocidos .
/Escuchar distintos ruidos en el juego de la colección de ruidos de la semana , donde los alumnos anotarán todos los que escuchan .
/En la discriminación de alturas , asegúrese previamente de que los sonidos propuestos estén perfectamente afinados .
/Entonar los sonidos en pianísimo , no de forma brusca.
/Ofrecer un clima de confianza , destacando más los aciertos de los alumnos que sus errores.

*La entonación

La voz es una cualidad que permite al alumno expresar sus estados de ánimo . En la entonación es necesaria una atmósfera de benevolencia , de acogida cordial , de confianza , de animación creada por el maestro .La calidad del maestro ha de ser buena , ya que los alumnos intentarán imitarla .
Los ejercicios serán realizados en la extensión media de la voz de los alumnos sin exagerar nunca la fuerza , y con la respiración fluyendo hacia delante , como un don generoso .
La entonación justa depende de la audición justa . De ahí , que incluso en las actividades de canto , debe partirse primero de la correcta audición antes que la emisión del sonido .
El canto por imitación es un aspecto elemental para la educación del oido y e la voz , y , además , favorece la asociación del gesto con el movimiento melódico Facilita la entonación correcta y el dictado musical .
Con las fórmulas rítmicas se entonan distintas llamadas o ecos :
-Variando ritmos y / o sonidos
-Variando con la boca abierta
-Variando las entonaciones expresivas

La preparación del solfeo entonando lo plantea Martenot con el Juego de las palabra melódicas . Esta juego parte de la impresión global del movimiento sonoro y aprende ayudar al alumno a escuchar mejor el sonido y a encontrar la entonación correcta .

La lectura cantada .
Para entrenar a los niños en la asociación entre el movimiento sonoro de las melodías y el sentido melódico de los intervalos se presentan partituras formadas por neumas .

El fraseo en la entonación
Al igual que las frases habladas , la frase musical desarrolla en el tiempo una corriente de pensamientos que finalizan en forma femenina o masculina , que corresponden a la acentuación grave o aguda de las palabras . En cambio Martenot emplea ejercicios que parten de la acentuación grave o aguda de las palabras , de la terminación masculina o femenina . El objeto de los mismos es practicar el fraseo sobre la sílaba “la” , buscando no sólo la pulsación y los acentos , sino también la calidad de expresión .

Ceración y desarrollo del equilibrio tonal
Si bien se inicia el método con la pentafonía , pronto se trabaja el sentido tonal . La metodología parte , pues , de improvisaciones melódicas en las que , poco a poco , van descubriendo las leyes del equilibrio y la atracción de la tonalidad .

*Iniciación al solfeo : lectura rítmica y de notas

Lectura de formas rítmicas .
Para Martenot , la duración de una nota es un elemento más de un todo . Representa uno de los miembros del cuerpo rítmico (formula); Y, separada pierde su sentido. Consecuencia de esto es la concepción global de su lectura rítmica, en la que presenta a los elementos dentro de una célula rítmica y no por separado, como otros métodos(Kodaly, Willems...)
Considera que las dificultades rítmicas y de entonación pueden solucionarse por si misma trabajando a fondo el sentido rítmico y tonal. Es indispensable la despreocupación en un comienzo por los nombres de las notas y por la notación musical de las figuras (blanca, negra, corchea...)
La fórmula rítmica debe ser presentada globalmente sin un análisis de valores , relacionada directamente con el dibujo . Posteriormente , una vez experimentado el rítmico con numerosas fórmulas rítmicas , se relacionan los sonidos con sus valores correspondientes diciendo “la” para negras , “la..a” para blancas , “shit” para silencios.

*Lectura melódica
La lectura de notas se inicia en la primera fase del desarrollo musical que , como viene presentado aquí , se centra en el desarrollo del sentido rítmico , la audición y la relajación .
Para solventar la lectura , Martenot se vale de la carrera de notas , para conseguir velocidad y regularidad y el llegar sano a la meta .Se gana una carrera cuando se lee una línea sin ningún titubeo y en el tiempo indicado por el metrónomo.
Martenot sustituye las consonantes de las notas al principio y las nombra así O , E , I , A , OL ...con el fin de que se registre bien la información . Sin embargo , para la repetición de los sonidos , las consonantes resultan indispensables a fin de evitar el golpe con la glotis .
Para diferenciar las notas naturales de las alteradas , adopta una nomenclatura más simple que la de otro métodos como el de Kodály .A las notas alteradas se cantan añadiendo B o S al sonido natural que es bemol o sostenido respectivamente .

*Armonía
El estudio de la armonía se realiza a partir del conocimiento de la escala y acorde mayor o menor.
Se realizan diversos ejercicios, según un orden bastante melódico, que tienen como fin el desarrollo de la entonación y el sentido tonal para el estudio de los acordes. Se inicia el estudio de los acordes y sus inversiones desde el comienzo de la lectura musical y se insiste mucho en los de 3ª , 5ª , 7ª y de 9ª mayores y menores.

*Materiales
-Repertorio de canciones infantiles
-Material de psicomotricidad
-Medios audiovisuales para el desarrollo de la imaginación creadora
-Juegos didácticos: cartas y palabras melódicas
-Juegos didácticos: carrera de notas, el auto
-Dominó : fichas de dominó con valores rítmicos y métricos
-Diapasón y metrónomo
-Teclado móvil con los nombres de las notas que se colocan sobre las teclas del piano

El fin de estos juegos, como se ha indicado es llegar al conocimiento de los elementos musicales, facilitando su teoría y su grafía.

Ondas Martenot.
El instrumento, que consta de un teclado de 7 octavas; una cinta, que colocada en el dedo índice de la mano derecha permite producir sonidos semejantes a los humanos, glisandos, etc... ; un rodillo con las teclas de mano , un cajón a la izquierda con la caja de control que permite regular las dinámicas , timbres , difusores ,etc...
Los difusores ( principal , metálico y otro llamado de “Palma” ).

Tomado de: Pedagogía de la Música.

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martes, agosto 26, 2008

Facilitacion: Metodo Schafer

La profesora Zeneida Rodríguez, facilitadora del curso Métodos para la Enseñanza de la Música III, aplicó la estrategia que detallo a continuación, para compartir con nosotros una aplicación de la Metodología Schafer.
Para ello, nos invitó a salir al exterior del instituto, hacia la calle. Observando muy atentamente todo el ambiente que nos rodeara, haríamos anotaciones sobre el entorno y relacionarlo con las fuentes del sonido.
En mi caso, hice anotaciones sobre el sonido de los autos (carros, camiones, motos, carro de bomberos… sirenas, cornetas, frenazos, rugir de motores, etc.). Pero también hice anotaciones sobre el escaso entorno sonoro natural; el trinar de algunos pájaros, el correr del agua en la quebrada Caurimare y el sonido del viento que movía la vegetación.
Al regresar al aula, cada estudiante debía realizar un dibujo relacionado con lo observado y escuchado según sus anotaciones.
Seguidamente, cada participante muestra su dibujo y comenta lo dibujado, relacionándolo con los sonidos y ruidos percibidos.
Me llamó la atención el hecho que la profesora Zeneida realizó un dibujo abstracto, tratando de representar mediante un dibujo la forma de los sonidos, como si fueran visibles, y no su elemento originario, su causa. Hizo hincapié en lo cíclico de los sonidos y sus timbres. También realizó un esquema rítmico de los sonidos escuchados. Con esto nos llamó a tomar conciencia sobre la diversidad de maneras que existen de visualizar (expresar) los sonidos.
Luego, la profesora nos hizo una introducción a los principios de la metodología Schafer, el significado del Entorno Sonoro, la importancia del no aislarse de los sonidos y de tomar conciencia de la armonía que existe en los sonidos que nos rodean, así como el poder identificar y reproducir todos los sonidos que percibimos.
La siguiente actividad fue seleccionar uno o dos sonidos observados y reproducirlos onomatopéyicamente; primero cada participante y luego todo el grupo. Con esto puede llegar a improvisarse una composición musical, acoplando todos los sonidos. Esto tiene como ventaja el poder aprovechar al ambiente como fuente proveedora de recursos para que cualquier grupo de participantes (en la escuela, liceo, coro, banda, orquesta, etc.) haga una composición musical.
También la profesora nos comentaba en qué consiste la elaboración de un Diario Sonoro. Este resulta de la toma minuciosa de observaciones sobre los sonidos que se perciben, identificarlos y reproducirlos, hacer comparaciones, etc. Se hace desde el primer sonido que escuchamos al despertar hasta el último al finalizar el día, cuando nos disponemos a dormir.
Para concluir su intervención, nos comentaba sobre la importancia de identificar los sonidos, ya que al ignorarlos no existen. Para ella, el sonido es ruido que se encuentra en el ambiente de una manera desordenada, pero que puede integrarse de manera armoniosa y agradable; puede incluso llegar a conformar un acorde, combinar nuevos sonidos y hacer música.



Para finalizar, en grupos hicimos la lectura y análisis del artículo El Hombre como Protagonista del Paisaje Sonoro, elaborado por Gerardo Meza Sondoval.

En la clase siguiente, hice mi facilitación sobre éste método de enseñanza musical.

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viernes, agosto 22, 2008

Estimulacion Temprana

E. Willems considera en esta etapa muy importante el papel de la familia, así pues, en las sesiones dedicadas a estas edades en UTEM se ha incorporado a los padres y familiares en el aula, participando activamente en cada clase junto a sus hijos.

Cuando un niño nace tiene todo un potencial de posibilidades cuyo desarrollo dependerá de que el medio físico y humano le aporte los estímulos necesarios y suficientes.

Las experiencias en neurociencia plantean que la materia nerviosa del ser humano no puede llegar a su total evolución si no hay unos estímulos exteriores que provoquen reacciones que permitan a esas funciones ponerse en marcha, perfeccionarse y desarrollarse. Es decir, es el medio exterior el que influye en que el desarrollo de las potencialidades del niño sea más o menos amplia, dentro de las limitaciones impuestas por la situación biológica y neurológica.

Los millones de neuronas que tiene el niño al nacer y sus conexiones dan lugar a estructuras funcionales en el cerebro por donde va a discurrir toda la información del ser humano y sabemos que estos circuitos se forman en la primera infancia. Por lo que, una estimulación temprana es la condición fundamental para garantizar la proliferación de estas conexiones neuronales y, consecuentemente, el desarrollo intelectual.

¿QUÉ PUEDE HACER LA MÚSICA?

La música puede ser un vehículo para desarrollar la personalidad, las aptitudes y la capacidad mental y física del niño hasta el máximo de sus posibilidades.
Ayudará al desarrollo de todas las capacidades del niño para resolver problemas o elaborar productos que sean valiosos en una o más culturas, lo que se conoce como “inteligencias múltiples”, término acuñado por el neuropsicólogo Howard Gardner.






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jueves, agosto 21, 2008

La Rimbombanda

Son chicos y chicas; tienen entre 10 y 19 años. Son artistas surgidos a las márgenes del río Quilpo, en San Marcos Sierras, en la provincia de Córdoba. Desde allí, entre calles de tierra y casas de colores, le ponen letra y música –divirtiéndose, casi como jugando pero muy en serio- a sus alegrías, preocupaciones, miedos, tristezas y esperanzas. Hablan a todos los niños, pero, muy especialmente, a todos los adultos del mundo. Tocan instrumentos nada formales que construyen ellos mismos; y en escena son imperdibles.

La Rimbombanda es el resultado del proyecto educativo PuenteArte que desde 1996 desarrollan en forma independiente Nani Dutelli y Ricardo Collado. “Un proyecto imbuido de los ideales pedagógicos de la Educación por el Arte y el Cooperativismo Escolar que apuestan a la formación en valores humanos, no desde los sermones sino a partir de emprendimientos en donde los chicos puedan encontrarse y experimentar acuerdos esenciales”, cuenta Ricardo. La tarea pedagógica que Collado realiza junto a su compañera abarca: la estimulación temprana en los lenguajes artísticos; talleres de exploración creativa a través del arte; y talleres de expresión y creación a través de la música, con una mirada antropológica que permite apreciar y valorar las culturas primordiales y aborígenes, la casi originaria relación del hombre con la música, los instrumentos primitivos, los que han sobrevivido hasta hoy, y aprender a construirlos también. “Para nosotros es muy importante que los chicos no olviden su capacidad creadora mientras atraviesan el proceso de escolarización, que por lo general está centrado en objetivos cognitivistas dándole escasa importancia a lo que los niños puedan producir desde lo expresivo”, señala Ricardo.
La Rimbo se conoció inicialmente como la bandita PuenteArte; comenzó tocando en las muestras que Nani y Ricardo organizaban para los padres de los chicos en su propio espacio de trabajo, y con el tiempo salió a las escuelas de la zona para mostrar su encanto a los adultos, transmitir su entusiasmo a los chicos y emocionar a todos. La primera vez que tocaron en público fue en el 2001, en ocasión de un encuentro de cooperativismo, en Capilla del Monte. Para Genaro -vocalista de la Rimbo-, “aquella fue una experiencia muy fuerte, había unas 3000 personas para escucharnos”. Ricardo, recuerda que “hasta ese momento los chicos tocaban sentados en sillitas de jardín, pero esa vez les propuse que nos paráramos, disfrazáramos y bailáramos lo más que pudiéramos. Estábamos muy nerviosos, antes de comenzar nos tomamos de las manos en ronda, respiramos juntos, vocalizamos y salimos a mostrar lo nuestro: fue un éxito rotundo”.
Desde entonces, la Rimbo no tardaría en ganar la plaza del pueblo realizando conciertos que despertaron el interés de los locales, así como de los turistas que habitualmente visitan San Marcos. “Yo en la plaza me siento libre, cómoda”, dice Lua –a cargo de accesorios y vientos-. “Es que el público en general es gente que conocés, de repente vienen de otro lado del pueblo, justo pasan por acá, escuchan y se quedan; y te dicen: Ah, esa canción es nueva …”, cuenta Milton – responsable de surdos, vientos y accesorios -.
Claro que los chicos de la Rimbo también se han presentado en escenarios cerrados y ante públicos desconocidos y entonces la historia, se cuenta diferente. “Yo en un teatro estoy más tenso, más nervioso”, dice Gabino, corista de la Rimbo – a cargo también de surdos, accesorios y vientos -. Para Genaro “la exigencia como artista es la misma, cambia que en el teatro te vienen a ver especialmente a vos y la atención es otra”. Y si de presentaciones en teatros se trata, imposible dejar de mencionar la experiencia en Buenos Aires.
Durante las vacaciones de invierno del 2004 la banda se presentó en la sala Alberdi del Centro Cultural San Martín con los temas de su primer disco: Cartón y Aserrín. “Esa fue una experiencia extraordinaria”, recuerda Ricardo, y sigue: “En los chicos se produjo una transformación muy importante, comprendieron los códigos de un espectáculo a puertas cerradas y eso los abrió a nuevas ideas escénicas”. En tanto, Lua, Milton, Gabino y Nahuan coinciden en que “esa fue la experiencia más fuerte que les tocó vivir hasta el momento como integrantes de la banda, que –y en esto también acuerdan todos– es parte de sus vidas, los llena de orgullo y da alegría; es trabajo, dedicación, estudio; e implica otra relación con la música”. Para Gabino, por ejemplo, “ser parte de la banda es descubrir otro lado de la música; es igual de diferente a ver el río de afuera o el río de adentro, si estás adentro ves, además del agua, las piedras del fondo, descubrís otra belleza”.
Entre las particularidades de esta banda de niños-músicos se halla la del tipo de instrumentos que tocan: vientos hechos con mangueras y ruedas de bicicletas; tambores construidos a partir de latas, accesorios como pequeñas escobillas de mano, entre otros. Consultado sobre esto, el director de la Rimbo, contó: “El uso de instrumentos no formales, construidos por los propios chicos, es parte de la propuesta educativa inicial. Cuando se construye un instrumento musical se disparan resortes arquetípicos, emociones ancestrales profundas, se liberan entusiasmos que ayudan a conducir la exploración y el ensamble, permitiendo que cada uno se apropie de la actividad”. La presencia activa y creadora de los chicos se ve y se siente no sólo porque son los músicos en escena sino también en la temática de las canciones que cantan. “Porque los chicos no están desvinculados del proceso de compo
sición, es que los temas que integran el repertorio de la Rimbo están muy ligados a sus pensamientos y sentimientos. A medida que la banda fue creciendo Nani y yo nos vimos obligados a componer pero lo hacemos siempre con la supervisión de ellos”, señala Collado. Al respecto, tal vez la canción más emblemática sea: “Lo que no aguanto”, a través de cuya letra los pequeños músicos cuentan, precisamente, aquello que no soportan: los recreos que se acaban, los gritos de mamá, las injusticias, los amigos falsos, el descuido hacia el medio ambiente, que le quiten las tierras a los indígenas y, a veces, hasta ellos mismos. De lo que se trata es de compartir con sus pares las emociones, pero también de recordar a los adultos sus responsabilidades. “La Rimbo es una posibilidad de transmitir diferente”, cuenta Gabino, y agrega: “no es lo mismo una maestra seria en la escuela leyendo los Derechos de los Niños párrafo por párrafo, que una canción dónde se recuerdan esos Derechos. Con la Rimbo le ponemos color a las cosas”. Para Nahuán “es una trasmisión de sentimientos”. Tal vez por ello, como cuenta Lua, “no se trata de música nada más, no es sólo sonido, es una letra que hay que entender”.
Lo cierto es que La Rimbombanda le ha puesto ritmo y color a las tardes de domingo en la plaza de San Marcos al mismo tiempo que ha logrado que chicos, pero también grandes, se detengan a escuchar y pensar, divertidamente, sobre las historias de cada día.


Tomado de: Revista Planetario


Programa Compás, La Escuela es un gran Acorde

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miércoles, agosto 20, 2008

Metodo Edgar Willems

La formación musical aplicando la metodología de E. Willems, el UTEM la enfoca en el sentido de una triple búsqueda:

-Búsqueda de unidad entre los principios pedagógicos puestos en evidencia por E. Willems y los que presiden los diversos aspectos de la formación: partir de la vida y de sus lazos con la música, privilegiar la expresión del ser en sus motivaciones profundas, cultivar el buen contacto relacional asociado a la exigencia justa.
-Búsqueda de libertad: la de los participantes ante lo que se les propone, ante las formas a recrear por sí mismos, con su interioridad propia y en su contexto preciso: también la de los formadores, para preservar la evolución de los cursos hacia un constante perfeccionamiento, a fin de alcanzar cada vez mejor los objetivos en función de las necesidades de los participantes.
-Búsqueda de energía en uno mismo a través de la música: necesaria para la adquisición de una competencia musical equilibrada en todos los campos y para un dominio pedagógico de la progresión.

CONDICIONES PARA APLICAR EL MÉTODO WILLEMS

Conocer profundamente los principios psicológicos de la educación musical. Principios basados en las relaciones existentes entre los elementos fundamentales de la música y aquellos pertenecientes a la naturaleza humana.
Disponer de un material musical adecuado para emprender la educación sensorial del niño.

El Método WILLEMS le da gran importancia a los elementos naturales:

El movimiento y la voz, que están en todo ser humano.
Partimos de que la música es un lenguaje, y como nuestra propia lengua, precisa de una impregnación (experimentación) anterior, basada en la escucha (desarrollo sensorial), que implica una memoria e interés (desarrollo afectivo), llegando a la conciencia a través de la imitación e invención (desarrollo mental).

El objetivo principal de la Educación Musical Willems, es el ser humano, favorecer su mejor crecimiento y evolución.

Lo que la música aporta al desarrollo individual de la persona, así como el aspecto social que comienza en la familia y el colegio, ha sido ya científica y experimentalmente constatado.

Nuestro proyecto educativo según estos principios:

• Asegura, gracias a sus bases vivas y ordenadas, un desarrollo del oído musical y del sentido rítmico, que prepara la práctica del solfeo, la de un instrumento o la de cualquier otra disciplina musical.

• Emplea con la participación activa de los niños, medios naturales y vivos que van de lo concreto a lo abstracto, favoreciendo una transición homogénea de lo instintivo a la concentración, y de ésta al automatismo.
El material y conceptos empleados parten de la música en sí misma: del sonido, el movimiento sonoro, el ritmo, el canto y el movimiento corporal natural. Trabajando estos cuatro aspectos en cada clase, pues todos ellos son esenciales para una formación rica y completa.

¿CÓMO ES UNA SESIÓN WILLEMS?

• Daremos prioridad a la Audición, pues es el momento en que los niños están más receptivos y atentos. Se aprovecha este momento para las actividades de mayor concentración, facultad que se va desarrollando junto con la evolución psicológica del niño.

• El Ritmo implica una mayor actividad, comenzamos a movilizar la parte física de nuestro cuerpo. Ello requiere atención además de movimiento y poco a poco, según las características de cada niño, mayor exigencia y precisión.

• Las Canciones son el centro de la clase, en importancia y en tiempo, por contener todo lo anterior: melodía, ritmo, armonía, y además un texto, una historia. Las canciones están organizadas por objetivos pedagógicos. Cada canción tiene así un sentido además del mero placer por cantar que por supuesto está incluido entre aquellos.

• Terminaremos con el Movimiento pues requiere más esfuerzo físico y menos concentración mental, sin perder por ello la atención y la escucha musical. Con ello y a través de movimientos naturales de los niños asociados a la música, improvisada o grabada, desarrollamos el sentido del tempo, del carácter, además de acercar a los niños a la Música de los grandes maestros, lo que hará nacer en ellos un sentido crítico más evolucionado que otros compañeros que crecen con un entorno musical no tan selecto y en el que, por desgracia, muchas veces, no es la calidad musical la que prevalece.

El tiempo que se dedica a cada parte de la clase depende de muchos factores y es el profesor el que decide, dentro del marco orientativo expuesto, según las características y estado de ánimo de los niños y / o la consecución de los objetivos propuestos.
Tomado de la página web de UTEM




Actividad didáctica, realizada con el grupo LOS CHIMPUM, formado por niños de 6 a 8 años, que integran el proyecto PuenteArte de San Marcos Sierras, Córdoba, Argentina.

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domingo, agosto 17, 2008

Metodo Willems

¿Qué es la educación musical Willems?
Edgar Willems nació en Bélgica, pero desarrolló su labor pedagógica y musical en Suiza. Realizó investigaciones y experiencias en el terreno de la sensorialidad auditiva infantil y en las relaciones música-psiquismo humano.
Pero fue durante la Guerra Mundial de 1914-1918 cuando Willems empezó a realizar la visión y concepción que inspiraría su vida de investigador, de pedagogo y de iniciador, en una obra y una actividad profundamente humana, adaptadas en particular a la época en la que vivimos.
La concepción "Willemsiana" no parte de la materia, ni de los instrumentos, sino de los principios de vida que unen la música y el ser humano, dando gran importancia a lo que la naturaleza nos ha dado a todos: el movimiento y la voz. En un primer momento, Edgar Willems pone una premisa muy clara e importante: "Para que la educación musical pueda ser eficaz es necesario cuidar las bases desde el comienzo, las raices; sonido, ritmo, melodía, armonía, etc.
Durante su vida (1890-1978), Edgar Willems intentó alcanzar numerosos fines humanos y musicales. El más importante ha consistido en establecer las bases de una verdadera educación destinada a armonizar el ser humano por la música, y a favorecer que éste alcance su plenitud.
Se trata de vivir la música de una manera muy natural, a la vez receptiva, activa e inventiva. Se dirige a todos, sean cuales sean los dones iniciales, las edades y los orígenes. Persigue finalidades a la vez humanas, sociales y musicales, según una progresión pedagógica experimentada desde hace varias décadas.

Su deseo es:

-Contribuir a la apertura general y artística de la persona, en su unidad y su unicidad;
-Desarrollar la memoria, la imaginación y la conciencia musicales;
-Preparar al canto coral, al solfeo, a la práctica instrumental y la armonía;
-Favorecer la "música en familia" así como los diferentes aspectos sociales de la vida musical.

Tomado de la página web de UTEM



Edgar Willems enfoca la formación musical en el sentido de una triple búsqueda:

-Búsqueda de unidad entre los principios pedagógicos puestos en evidencia por E. Willems y los que presiden los diversos aspectos de la formación: partir de la vida y de sus lazos con la música, privilegiar la expresión del ser en sus motivaciones profundas, cultivar el buen contacto relacional asociado a la exigencia justa.
-Búsqueda de Libertad: la de los participantes ante lo que se les propone, ante las formas a recrear por sí mismos, con su interioridad propia y en su contexto preciso; también la de los formadores, para preservar la evolución de los cursos hacia una constante perfeccionamiento, a fin de alcanzar cada vez mejor los objetivos en función de las necesidades de los participantes.
-Búsqueda de energía en uno mismo a través de la música: necesaria para la adquisición de una competencia musical equilibrada en todos los campos y para un dominio pedagógico de la progresión.

CONDICIONES PARA APLICAR EL MÉTODO WILLEMS

El método requiere dos condiciones básicas:
A) Conocer profundamente los principios psicológicos de la educación musical. Principios basados en las relaciones existentes entre los elementos fundamentales de la música y aquellos pertenecientes a la naturaleza humana. (Ver resumen).
B)Disponer de un material musical adecuado para emprender la educación sensorial del niño.

LAS ETAPAS EVOLUTIVAS DEL MÉTODO
Según un proceso continuo de vida, el método Willems se puede separar en cuatro etapas evolutivas, siguiendo el desarrollo del niño:

1ª Etapa: Antes de los tres años.
Será importante el papel de la familia y especialmente, el de la madre, que representa la base más importante para el desarrollo musical del niño. Así, serán aprovechadas lo más pronto posible las rondas, las canciones de cuna y los cantos breves.

2ª Etapa: Desde los tres hasta los cinco, o desde los cuatro hasta los seis años.
Se trabajará en clases individuales o en grupos pequeños de cuatro o cinco personas.
En esta etapa, Willems presta especial importancia a los cantos. También se trabajará la educación rítmica basada en el instinto del movimiento corporal natural. El oído se trabajará con la ayuda de diversos instrumentos sonoros y la entonación de las canciones.
En cuanto a este aspecto, hay que señalar que no se pretende que entonen estrictamente bien, basta con proponer al niño que cante bien, adquiriendo una buena postura y con una voz bonita.

3ª Etapa: Desde los cinco hasta siete o desde los seis hasta los ocho años.
Esta etapa ya debe trabajarse en las escuelas de música o en las clases particulares.
Ahora Willems propone amplificar todo lo dado anteriormente, al mismo tiempo que comprender el aspecto teórico y abstracto del ritmo y la audición.
Se empezarán a marcar los compases y se escribirán algunos valores de figuras.

4ª Etapa: La introducción al solfeo.
El solfeo propiamente dicho, vendrá después de un adiestramiento cerebral activo, basado en el instinto rítmico y el oído.

EL SONIDO

Willems declara que el tacto y la vista deben estar al servicio de los sonidos percibidos por el oído. En este aspecto, hay un debate que se mueve entre dos corrientes: ¿El instrumento al servicio de la música o la música al servicio del instrumento? Claramente el método Willems propugna la vigencia de la música por encima de cualquier otro constituyente.
Así mismo, nos dice que hay que despertar en el niño el amor por el sonido, por escuchar los sonidos. Los alumnos deben aprender a prestar atención a todos los ruidos que emite la naturaleza. Debemos poner al niño en contacto con los objetos sonoros y ver sus reacciones.
Por otro lado, cuando el alumno llega a la clase de música es importante hacerle saber a qué viene, es necesario que viene a hacer música, y no a una clase que sólo sirve como divertimento, ya que la práctica musical influye en los sentimientos, en el espíritu y en el corazón de la persona.

Audición

Willems incluye, en su método los siguientes aspectos:
-El movimiento sonoro: ascensos y descensos del sonido
-Aislar sonidos (identificar): relación en cuanto a duración, intensidad, altura y timbre.
-Reproducir intervalos melódicos
-Recrear timbres (igualar por pares, realizando parejas con timbres similares)
-Invención melódica, colectiva e individual.

MATERIAL AUDITIVO

El material auditivo que nos propone Willems costa de objetos que se utilizan en la vida cotidiana, objetos que nosotros mismos podemos fabricar: campanillas, silbatos, trompetas, molinillos, trompos musicales, xilófonos y metalófonos.
La única premisa para utilizar el material es el buen conocimiento, por parte del profesor, del uso del material.
Mediante este material se establecerán las bases rítmicas y auditivas del arte de la música.
Una buena actividad auditiva y de interpretación es la imitación de los sonidos de animales, especialmente para aquellos niños a los que les cuesta cantar.

Fuente



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viernes, agosto 15, 2008

Efecto Mozart

¿Qué es el efecto Mozart y por qué hay escuelas que usan la música de ese artista para enseñar?

El efecto Mozart es una teoría según la cual los individuos que escuchen la música de Wolfgang Amadeus Mozart podrán mejorar el intelecto, o al menos algunos componentes de la función intelectual. El término fue acuñado por el Dr. Alfred. A. Tomatis (1991), quién utilizó la música de ese compositor como estímulo en su trabajo para intentar curar una variedad de trastornos.
Él considera que la calma de esa música presentada en diferentes frecuencias ayuda al oído, y promueve la sanación y el desarrollo del cerebro.
La idea del Efecto Mozart fue estudiada más a fondo en el año (1993) en la Universidad de California, Irvine, por el neurobiológo Gordon Shaw y la Dra. Frances Rauscher, experta en el desarrollo cognitivo. Ellos estudiaron en una docena de estudiantes universitarios cuáles eran los efectos al escuchar por 10 minutos la Sonata de Mozart para dos pianos en D mayor (K. 448). Estos investigadores encontraron una mejora temporal en el razonamiento (espacio temporal).
Aunque hay otros investigadores como Kenneth Steele (profesor de psicología) que dicen que siguieron los mismos protocolos que los dos profesionales nombrados anteriormente y que no hallaron ningún tipo de efecto en absoluto.
En 1997, el escritor Don Campbell lanza su libro “El efecto Mozart” en el cual afirma que el poder de la música cura el cuerpo, fortalece la mente, y desbloquea el espíritu creativo, y analiza la teoría de que escuchar a Mozart (en especial el concierto de piano) puede aumentar temporalmente el coeficiente intelectual y producir muchos otros efectos beneficiosos sobre la función mental.
En una de las escuelas donde dió clases la prof. Pamela Ferreira, se colocaba la música de Mozart después de venir del comedor escolar al salón, logrando así comenzar la jornada con menor ansiedad y en un estado de relajación. También habían días estipulados para desarrollar el proyecto en los cuales se elaboraban letras para los temas de Mozart, basadas en por ejemplo: las tablas de multiplicar, también se creaban movimientos sincronizados y repetitivos con las manos según los distintos niveles y tiempos de la música, como puede verse en el siguiente video


www.Tu.tv


Este video es un documental que nos muestra cómo reacciona nuestro cuerpo con la música de Mozart y también vemos algunas de las actividades que se pueden realizar en la escuela con sus composiciones.
Como la música tiene efectos diferentes en distintas personas, algunos investigadores siguen poniendo a prueba si el efecto Mozart es real y si cualquier otra pieza tiene el mismo efecto.
Lo que no podemos poner en duda es que ésta y otras músicas sirven para despertar la creatividad, aumentar la concentración, disminuir el estrés y afinar el sentido auditivo.
Pensemos en lo que decía Gioachino Rossini, “La música es una especie de medicina que se debe de administrar en dosis"

Artículo publicado por Pamela Ferreira, en Sur Cultural

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jueves, agosto 14, 2008

Metodo Schafer: Paisaje Sonoro Cantado

El patrimonio sonoro está inmerso dentro del patrimonio cultural inmaterial que son los usos, representaciones, expresiones, conocimientos y técnicas –junto con los instrumentos, objetos, artefactos y espacios culturales que les son inherentes- que las comunidades, los grupos, y en algunos casos los individuos reconozcan como parte integrante de su acervo cultural.
En este rubro, la Conferencia General de la UNESCO aprobó en octubre de 2003 la Convención para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial, que entró en vigor el 20 de abril de 2006. En el cual se reconoce la importancia de salvaguardar el patrimonio cultural intangible que es, particularmente vulnerable por sus constantes variables muchas veces desapercibido.
Los archivos sonoros son una fuente importante de información cultural, al igual que los libros, documentos o video, ya que estos también son testigos invaluables del devenir humano. Son además estímulos para la adquisición de conocimiento y vehículos de educación para los más diversos grupos sociales. Desde el momento en que se pudo registrar un sonido y luego reproducirlo, se pensó en la investigación de campo y en la preservación de esa herencia.
Un archivo sonoro representa una posibilidad para usos sociales, políticos, y hasta de entretenimiento, pero es en el ámbito educativo y cultural donde su valor se incrementa, ya que esos sonidos caracterizan nuestra vida cotidiana, elemento que conforma parte de nuestra identidad y nos diferencian de otras culturas.
A continuación, un video que nos muestra el Audio-Acción del Colectivo Escoitar.org en el CGAC (Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela). Se canta un paisaje sonoro de Santiago. Dirección: Chiu Longina.



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miércoles, agosto 13, 2008

Metodo Schafer: Paisaje Sonoro

Murray Schafer propuso un problema a su clase (alumnos de 1er años de la Universidad):

¿QUÉ ES MÚSICA?

El proceso de pensamiento los llevó a la definición que aparece en "El compositor en el aula", a la cual muchas personas han señalado muchos aspectos inadecuados a lo cual Schafer no se opone.
Ésta era:
Música es una organización de sonidos (ritmo, melodía etc.) producida con la intención de ser escuchada.

Se torna difícil llegar a una definición cuando las vanguardias continúan la exploración del sonido más allá de toda frontera.
John Cage envió a Schafer su definición de música:
"Música es sonidos, sonidos alrededor nuestro, así estemos dentro o fuera de las salas de concierto".
Todo lo que se mueve hace vibrar el aire y, si oscila 16 veces por segundo, se oye como sonido.
Entonces, el mundo está lleno de sonidos.
Los alumnos de Schafer comenzaron a registrar durante cuatro días, diez minutos por jornada, todos los sonidos que oían. Y concluyeron que los sonidos de "la orquesta universal" son infinitamente variados (por ejemplo, cada pisada de personas caminando se oye diferente).
Reflexionaron luego acerca de los paisajes sonoros del pasado:
-Cuando los hombres vivían una existencia pastoril predominaban los sonidos de la naturaleza.
-Después de la Revolución Industrial, los sonidos mecánicos reemplazaron a los sonidos humanos y naturales.
Tomado de: El Nuevo Paisaje Sonoro.

En la película August Rush (título traducido en Venezuela como El Triunfo de un Sueño), puedes encontrar una composición (City Symphony)que contiene la propuesta de Schafer sobre el paisaje sonoro, de cómo la música es sonidos, sonidos alrededor nuestro, así estemos dentro o fuera de las salas de concierto.



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martes, agosto 12, 2008

Metodo Schafer: Pepito el Viajero

En una aplicación del Método de Murray Schafer, se puede ilustrar un cuento infantil con diversos paisajes sonoros (rurales, urbanos y su combinación) Pueden participar los estudiantes, produciendo onomatopéyicamente los sonidos según el ambiente por donde pasea el protagonista del cuento, en este caso Pepito el Viajero.



Video Educativo para la enseñanza del CMO "Entorno Sonoro" (Artes Musicales- 1° básico). Creado por Betzabe Segovia (UMCE - Gros.- Chile - 2007)

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domingo, agosto 10, 2008

Biografia: Murray Schafer

Raymond Murray Schafer nace en Sarnia, Ontario (Canadá) el 18 de julio de 1933. Se ha destacado como compositor, educador musical, escritor, ambientalista, académico y artista visual. Su fama mundial se debe principalmente a su Proyecto del Paisaje Sonoro Mundial y su lucha por la ecología acústica.
Schafer entró en el Real Conservatorio de Música y la Universidad de Toronto en 1952 para estudiar con John Weinzweig. Su contacto casual con Marshall McLuhan en el campus en ese período podría posiblemente ser señalado como la más significativa influencia en su desarrollo.
Se fue a Viena en 1956. Después de dos años se fue a Inglaterra, estudió de manera informal con el compositor Peter Racine Fricker.
El aporte de Schafer en la educación musical se encuentra en sus libros El Compositor en el Aula, Limpieza del Oído, El Nuevo Paisaje Sonoro, Cuando las Palabras Cantan y El Rinoceronte en el Aula. Estos ilustran sus experiencias con los estudiantes e incluyen las primeras introducciones de los conceptos de John Cage sobre la audiencia creativa y la toma de conciencia sensorial en el aula en Canadá.
Como el "padre de la ecología acústica" Schafer se ha preocupado por los efectos nocivos del ruido sobre las personas, especialmente de los habitantes de las "alcantarillas sónicas" de la ciudad. En su obra El Libro de Ruido y las Voces de la Tiranía expone sus motivos para la lucha contra el ruido y las mejoras de paisaje sonoro urbano a través de la reducción de sonidos potencialmente destructivos.
De las diversas publicaciones Schafer en libertad después de su trabajo con la Organización Mundial de paisaje sonoro del proyecto, el más importante es Los Sonidos del Mundo (1977) donde resume su investigación, filosofías y teorías sobre el paisaje sonoro; por ejemplo, la estructura rítmica de fondo para Cuarteto de Cuerdas N º 2 ("Waves") se basa en los intervalos en las crestas de las olas del océano.
Schafer en su búsqueda de una "alta fidelidad" en elpaisaje sonoro se ha trasladado a una granja de su propiedad en Ontario, que luego inspiró una serie de obras basadas en el medio ambiente natural. La primera fue la Música del Lago Silvestre Lago, para doce trombones. El estreno en 1979 por el Coro de Trombones de Ontario fue grabado por la CBC.
Su interés en el paisaje sonoro también se refleja en las obras que emplean la distribución espacial de los artistas intérpretes o ejecutantes, la más ambiciosa es su obra Apocalypsis, que requiere de 500 artistas intérpretes o ejecutantes.
Schafer en sus obras dramáticas emplea la música y el teatro de una manera que él llama el "teatro de confluencia" (una especie de Gesamtkunstwerk que refleja su deseo de explorar las relaciones entre las artes). Schafer ha utilizado la práctica ritual como una manera de revitalizar el teatro contemporáneo, la transformación de varias obras de teatro participantes en la audiencia.
A Schafer el medio rural le permitió trabajar con las comunidades en Maynooth y Peterborough, encontrado allí notables modelos de cómo los artistas pueden integrarse en las sociedades de las cuales son miembros. Schafer alienta a los artistas a aprovechar las riquezas de su entorno local y cultural.
Además de su obra como compositor, dramaturgo, educador y periodista musical y en el nuevo campo de estudios del paisaje sonoro, Schafer ha hecho importantes contribuciones a las humanidades como musicólogo, erudito literario , escritor creativo y artista visual. Schafer es mejor conocido por sus escritos sobre la educación musical y el paisaje sonoro, pero además de obras en prosa también ha escrito una serie de creativas piezas literarias que incluyen las novelas Dicamus et Labyrinthos y Ariadna, ambos con la exposición del compositor sobre la caligrafía y el arte.
En la década de 1980 escribió conciertos para flauta, arpa y guitarra, tres cuartetos para cuerda, y diversas obras orquestales y de cámara. Su diversidad desmiente generalizaciones de estilo, su trabajo podría ser descrito como una síntesis de técnicas de vanguardia del siglo XX con el espíritu romántico del siglo XIX. Recibió premio Compositor del Año en 1977 por parte del el Consejo Canadiense de la Música y el Premio a la Nueva Música de Cámara en 1977.
Schafer tiene doctorados Honoris Causa de las universidades en Canadá, Francia y Argentina. Yehudi Menuhin elogió "Su fuerte, benevolente, y muy original imaginación e intelecto, una dinámica poderosa cuyas múltiples aspiraciones y expresiones personales están en total concordancia con las necesidades urgentes y los sueños de la humanidad de hoy".

Tomado del texto revisado por John S. Gris y publicado en site del Centro Canadiense de la Música

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