martes, junio 10, 2008

Metodo Kodaly: Voz y Folclore. La Parranda de San Pedro

Ya anteriormente había publicado, que a juicio de Z. Kodaly la voz es el primer y más versátil instrumento musical, y que sin embargo casi siempre era relegado a un segundo plano, dándole mayor relevancia a pequeños instrumentos musicales de (por lo general de ejecución sencilla para iniciación musical). Esto se debe a que la mayoría de los docentes de educación musical no conocen la fisiología vocal y ante problemas de desafinación prefiere dedicarse a otra actividad que le resulte más conocida.
Sin embargo, Kodaly invita a retomar el valor protagónico de la voz en la formación musical y no pasar a los instrumentos sin antes dominar la técnica vocal. Practicar diariamente el canto y prestarle mucha atención a la afinación es uno de los principios de su método. Del mismo modo se ha de pasar inmediatamente al canto coral.
Otro de los principios metodológicos de Kodaly, como hemos expuesto, es el folclore musical. La auténtica música folclórica debe ser la base de la expresión musical en todos los niveles de la educación; exaltar la identidad regional y nacional es un principio siempre presente en la enseñanza musical.
En nuestro caso particular, por encontrarnos en la región mirandina cuya riqueza cultural nos permite tener una gama de recursos inagotable, hemos seleccionado La Parranda de San Pedro de Guatire como base para una estrategia apoyada en la metodología Kodaly.



En primer lugar, se ha de consultar si entre los participantes se encuentra algún poblador de Guatire o si ha estado presente en la Parranda de San Pedro, y se le puede invitar a compartir brevemente su experiencia y sus impresiones sobre la misma.
Seguidamente, el facilitador apoyado de un instrumento musical (piano o cuatro)canta algunas estrofas de la parranda, para que los participantes la canten también. Se debe tener muy en cuenta la afinación, tanto individual como grupal.
Según el nivel del grupo o las posibilidades, se puede solfear la parranda, apoyados también con el instrumento.
Los participantes pueden cantar en ronda primero y en coro después.
Para finalizar, el facilitador puede comantar sobre la importancia de conocer y difundir el folclor local y el valor que le dan los guatireños a su tradicional parranda.

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domingo, junio 08, 2008

Numerofonía de Aschero

La Numerofonía de Aschero, se basa en las ciencias matemáticas (geometría y aritmética), en la óptica, en la acústica y en la lingüística, lo que lo hace muy claro y comprensible hasta para niños desde los tres años de edad, en absoluta contraposición con el sistema tradicional de notación musical.
Utiliza formas geométricas y colores para los más pequeños y a medida que van avanzando en edad y en su aprendizaje, el sistema va incluyendo números enteros y fraccionarios, acompañando al niño en su desarrollo escolar de manera simultánea a su formación académica.
Es un sistema lógico que permite que todos, pero todos sin excepciones, puedan leer, escribir, interpretar y crear música, culta o popular, incluyendo a adultos, adolescentes, niños y personas con capacidades especiales, sin tener que caer en el absurdo de los bemoles, sostenidos, claves, o tantos otros signos anacrónicos que integran el sistema de notación, para que todos aquellos que aman la música, puedan disfrutarla activa y participativamente, y no tan sólo el 5% de la humanidad, que es lo que ocurre estadísticamente, lo que demuestra el altísimo nivel de analfabetismo existente.
Por cierto que hay quienes en su deseo de mantener posiciones de elite, pueden oponerse a este cambio revolucionario, pero este código no está dirigido a quienes ya leen música, sino a ese 95% de personas que no lo han logrado con el viejo sistema, incluyendo a un gran número de músicos populares.
Oponerse a la Numerofonía de Aschero es oponerse a Pitágoras, a Galileo, a Newton. . .
El objetivo de la investigación del doctor en musicología Sergio Aschero es mejorar la relación entre la música y la gente, a partir de la recuperación de la unión entre la ciencia y el arte, tal como ocurría en la Academia de Atenas de la Antigua Grecia cuando la música era una de las ciencias matemáticas, junto a la aritmética, la geometría y la astronomía.
Se debe hacer todo lo necesario para que perdure lo verdaderamente profundo, como es la música creada en todas las épocas y en todas las culturas, y no jerarquizar lo superficial, como es atarse a formas vetustas y a signos obsoletos, que se han demostrado absolutamente ineficientes en la alfabetización musical de la mayoría de las personas.
Este lenguaje ha sido certificado por los Ministerios de Educación de España e Italia como alternativa al sistema tradicional de notación.

Sergio Aschero
Doctor en Musicología

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viernes, junio 06, 2008

Metodo Kodaly: Fononimia

La Fononimia es un método que consiste en marcar la altura de los sonidos, situándoles en el espacio, colocando la mano a diferentes alturas. Entre los grandes pedagogos musicales que se han servido de este resorte metodológico se encuentra Zontán Kodály.
Además de ayudar a representar las notas con un gesto de la mano, es muy útil para:

-Ejercicios de afinación.
-Los intervalos y las relaciones melódicas.
-La afinación, la educación del oído, la memoria, la audición interna y externa, la técnica vocal, la improvisación, etc.
-El desarrollo de las capacidades como la atención y la concentración, además de la conciencia del trabajo en grupo.
-Como medio para trabajar ejercicios de psicomotricidad y expresión.
-El desarrollo de la creatividad, la sensibilidad y el gusto.

(R. JIMÉNEZ DE LA FUENTE)

Tomada del blog Educación Musical, en la siguiente imagen se muestran los signos usados en la fononimia de Kodály:



Cualquiera que sea la tonalidades la que este escrita la partitura la tónica siempre se lee “Do” para las tonalidades mayores y “La” para las menores. Este es el origen del “Do Móvil” con el que también se le conoce al solfeo relativo.



Los sonidos que se entonan no son necesariamente los de la escala natural, pues en cada caso varían según la altura de la tónica que se haya tomado. La entonación de los intervalos se hace en un sólo modelo de escala “Do Mayor” o “La Menor” (Universidad de Costa Rica, 2004).

En el blog de Educación Musical puedes encontrar información sobre el tema.

También puedes ver un video donde se aplica la Fononimia Kodaly para trabajar los intervalos pulsando Aquí

Kodal
Cargado por alfredo447


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miércoles, junio 04, 2008

Metodo Kodaly

Presentación en Power Point sobre el Método Kodály, preparado por estudiantes de la Universidad de Panamá.
Metodo Kodaly
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martes, junio 03, 2008

Metodo Kodaly: Implicacion filosofica, pedagogica y metodologica.

Zoltán Kodály (1882-1967), fue un compositor, recopilador de música folclórica y profesor húngaro. Hijo de un jefe de estación de ferrocarril aficionado a la música, nació en Kecskemét y estudió en Budapest con Hans Koessler. Hacia 1905 inició su colaboración con su compatriota Béla Bartók en la recopilación de música folclórica húngara, labor que hasta entonces no había estado sujeta a un estudio musicológico sistemático. El trabajo de los dos contribuyó a crear la etnomusicología. En sus composiciones Kodály citó e imitó formas, armonías, ritmos y melodías de estas canciones populares (Microsoft, 2006).
Entre sus mejores obras destacan Psalmus hungaricus (1923) para tenor, coro y orquesta, la ópera Háry János (1926), las Danzas de Galanta (1933) para orquesta, el Te deum Budavari, las Variaciones del pavo real y la Missa brevis (1945). A partir de 1945 desarrolló un sistema de educación musical destinado a las escuelas públicas húngaras. Su método, que consiste en la entonación de canciones del folclore húngaro o basadas en ellas, ha sido utilizado por escuelas de diferentes países. La obra de Zoltán Kodály incluye el Corpus musical popularis hungarical (1951-1953) resumen de su labor musicológica (ob.cit.).

Filosofía y aplicación del Método Kodály

El método Kodály expone la necesidad de la formación permanente del profesorado de Educación Musical para aprender nuevos conceptos y técnicas, desarrollar nuevas habilidades didácticas y realizar un mayor esfuerzo para dar respuesta a las demandas que la sociedad está planteando, Mediante el aprendizaje y la utilización de metodologías alternativas para la enseñanza de la música y su aplicación a la situación actual de la Educación Musical (Ramírez Torrejón, 2007).
El método Kodály parte del principio de que la música no se entiende como entidad abstracta (solfeo en el plan antiguo), sino vinculada a los elementos que la producen (voz e instrumento) La práctica con un instrumento elemental de percusión y el sentido de la ejecución colectiva son os puntos principales en que se asienta su método (Rodríguez Morales, s.f.)
Puede resumirse su método en los siguientes principios:
-La música es tan necesaria como el aire.
-Sólo lo auténticamente artístico es valioso para los niños.
-La auténtica música folclórica debe ser la base de la expresión musical en todos los niveles de la educación.
-Conocer los elementos de la música a través de la práctica vocal e instrumental.
-Lograr una educación musical para todos, considerando la música en igualdad con otras materias del currículo (ob.cit.)

Criterios pedagógicos y psicológicos del método Kodály

Desde el punto de vista pedagógico, el método se basa en la lecto-escritura, la fononimia, las sílabas rítmicas y el solfeo relativo. Con las sílabas rítmicas, Kodály pretende relacionar a cada figura y su valor con una sílaba, con lo cual obtiene cierta sensación fonética y una relativa agilidad o lentitud en el desarrollo de las diferentes formulas rítmicas y su contexto global.
Ejemplo de sílabas rítmicas:
ta ta ta ti ti ti tiri tiri tiri tiri
Con la fonominia se pretende indicar mediante diferentes posturas y movimientos de las manos, la altura de los sonidos y que los alumnos los identifiquen con sus nombres respectivos.
Mediante el solfeo relativo se plantea la posibilidad de entonar cualquier melodía representada en una sola línea desde el punto de la escritura musical (Rodríguez Morales, s.f.).
Aplicando la metodología Kodály, una línea representa el pentagrama convencional y en ellas estarán colocadas las diferentes notas con sus nombres respectivos debajo, dichos nombres no estarán completos ya que solo aparecería la primera letra del nombre correspondiente.
Con esta actitud y desde en punto de vista de la entonación da igual la tonalidad en que se encuentra la obra musical original, pues siempre se podrá transportar a la tesitura más cómoda del intérprete (Rodríguez Morales, s.f.).
Uno de los objetivos fundamentales de la Educación Musical hoy en día es la de enseñar música a los futuros docentes de educación musical, utilizando una metodología adecuada que permita que ellos puedan transmitir directamente la formación musical recibida en esta disciplina a sus alumnos sin pasar por nociones teóricas o el árido solfeo tradicional (Lucato, 2001).
Con el método Kodály no es imprescindible tener un conocimiento musical completo antes de empezar a aplicarlo a la docencia, ya que permite enseñar cada apartado en el que se haya alcanzado un nivel de conocimiento y ejercitación adecuado sin romper la coherencia del método.
Es necesario evitar que los niños se acostumbren de pequeños a la música de baja calidad ya que después sería demasiado tarde. Uno de los criterios más experimentados consiste en no despreciar claramente ante los niños todo lo que no sea música culta o popular, ya que esto sólo consigue que los alumnos pierdan la confianza en el docente musical pensando que no entiende su realidad y al mismo tiempo a sus ojos pierde fiabilidad la cultura musical que se pretende que adquieran.
En concordancia con lo antes expuesto, puede afirmarse que ellos viven "su música" como algo bonito, moderno, y socialmente integrante, mientras que normalmente consideran aburrida, pesada y "pasada de moda" la que puede proponerle el docente. Fragmentos de música Rock, New Age, Heavy metal, Rap..., bandas sonoras de películas y dibujos animados conocidos por ellos, se convertirán en excelentes aliados para comenzar una educación musical que lentamente iremos dirigiendo hacia otro tipo de música más difícil de comprender.
Se sabe que el niño y la niña hablan antes de escribir y desde la experiencia adquirida obtiene las reglas y nociones del lenguaje. Z. Kodály (citado por Lucato, 2001). dice: " El objetivo o meta de la música no es llegar a ser juzgada sino convertirse en nuestra sustancia, hay mucho analfabetismo musical incluso entre los niveles cultos de nuestra sociedad. Es inútil tratar de obviar esta situación divulgando la música sinfónica de buena calidad. Aquellos que no están acostumbrados a escucharla comprenderán poco y no podrán acercarse a ella a través de la lectura formal en partitura".
Esta afirmación, que es de principios del siglo XX, parece que no ha llegado a la mayoría de los profesores, que todavía no se han decidido a utilizar criterios metodológicos y pedagógicos para la enseñanza de la música. No puede olvidarse que no se puede basar el bagaje cultural en las nociones musicales aprendidas en la formación inicial, que suele ser escasa y en la "experiencia" acumulada a lo largo de los años de docencia (ob.cit.)
Se sabe que la experiencia sirve para detectar errores, no para corregirlos. Sería como si se intentase enseñar la pronunciación de vocales y consonantes a diferentes velocidades, durante años, sin aprender nunca ni una sola palabra; o aprender la pronunciación de un idioma extranjero sin comprender el significado y pretender que esta persona pueda obtener una cultura literaria o de otro género (ob.cit.).
Del mismo modo, no pretender adquirir y comprender el significado de la música estudiando solfeo tradicional o tocando mecánicamente un instrumento. ¿A qué se refiere Z. Kodály cuando dice "saber leer la música"?. Sin duda ninguna no se refiere a la lectura tradicional de sonidos, uno tras otro, sin comprender su significado ni el nexo de unión entre los mismos. Por tanto la música no debe ser un sonido sino un conjunto de relaciones sonoras que deben resultar como un pensamiento sonoro que, como cada pensamiento, encuentra su primera expresión en la voz, es decir, en el canto (ob.cit.)
La voz es el primer y más versátil instrumento musical que demasiadas veces es relegado a un segundo plano, para dejar espacio a pequeños instrumentos musicales de diferente tipología esto puede ser debido a que la mayoría de los docentes de educación musical no conocen la fisiología vocal y ante problemas de desafinación prefiere dedicarse a otra actividad que le resulte más conocida (Lucato, 2001).
Para solucionar ese problema de desafinación en primer lugar se debe aclarar que la definición más común clasifica al desafinado como aquella persona que no es capaz de reproducir con la voz un fragmento escuchado con anterioridad. Sin embargo hay que distinguir entre el desentonado y el desafinado. El primero sabe reproducir el movimiento de los intervalos más o menos correctamente en una tonalidad diferente a la escuchada, mientras que el desafinado produce sonidos totalmente diferentes a los escuchados, sin respetar la secuencia interválica (ob.cit.).
En este orden de ideas, la mayoría de las personas que son clasificadas normalmente como desafinados, en realidad pertenecen a la categoría de desentonados, ya que son personas que no han tenido la posibilidad de desarrollar su oído musical ya sea por un analfabetismo musical familiar, por la imposibilidad de relacionarse con el mundo de la música en su sentido más pedagógico, o por un "adiestramiento" musical erróneo (ob.cit.).
El canto diario es muy importante. El placer que se deriva del esfuerzo de conseguir una buena música colectiva proporciona personas disciplinadas y nobles de carácter; su valor, en este aspecto, es incalculable". Todos conocemos el poder de unión e integración que tiene el canto, sobre todo el canto colectivo. La disciplina necesaria, la formación musical que conlleva y la responsabilidad que tiene cada cantor permiten que la música sea un vehículo de educación cívica y social (ob.cit.)
La preparación técnica necesaria y la elección del repertorio son, seguramente, los puntos que ofrecen mayor dificultad al maestro de educación musical. Por esto es imprescindible que un profesor de educación musical conozca al menos los rudimentos de fisiología, patología y técnica vocal, ya que sin ellos no podrá enseñar correctamente el canto. No podemos convertirnos en instructores y directores de coro sin conocer la técnica y la problemática que conlleva (ob.cit.).

Referencias

Lucato, M. (2001) El método Kodály y la formación del profesorado de música.

Microsoft (2006) Enciclopedia Encarta [Multimedia en DC]. Disponible: Microsoft Corporation.

Ramírez Torrejón, P. (2007) La Educación Musical en Hungría a través del método Kodály.

Rodríguez Morales, S.M. (s.f.) Corrientes pedagógico-musicales del siglo XX. Análisis y proyección de las mismas en la educación musical escolar.


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domingo, junio 01, 2008

La poderosa Música del Agua

La música del agua es una poderosa corriente espiritual que ha sido bellamente canalizada por los grandes compositores de todas las épocas, tanto clásicos como populares… y de igual manera, el agua lleva en sí misma una mágica cualidad de producir sonido que, tal como lo han comprobado meditadores antiguos y contemporáneos, posee un efecto sosegador, sanativo, que nos vincula con las dimensiones trascendentes del Ser.
Sí, basta prestar un mínimo de atención para percibir cómo el agua genera, en todas partes, una sonoridad suave y eterna, que trasciende a eras y héroes, a razas y civilizaciones.
A muchas personas les proporciona calma el sonido del mar o les agrada sobremanera el meloso rumor de una cascada… o, simplemente, piensan que no hay mejor canción de cuna que el goteo de la lluvia nocturna precipitándose sobre el sólido techo de la casa.
De igual forma, hoy día es moneda corriente la edición de discos compactos donde se mezclan los diversos sonidos del agua con música académica o "new age": tales productos son adquiridos por personas estresadas que meditan –en la urbana reclusión de sus casas o apartamentos- recreando en sus mentes ese entorno natural que la dinámica humana se ha empeñado en destruir.
Tal afición por meditar al son del agua parece ratificar la conseja de que el líquido elemento es el más musical de la Naturaleza. Aunque, claro está, la musicalidad del agua no siempre es apacible… ¡y a veces se torna furiosa y frenética, como cuando se trata de vaguadas, tifones o huracanes!

Infinita música del Espíritu

Según antiguos místicos chinos, si alguno de ustedes se sentara a la vera del gran río Amarillo en estado de meditación podría escuchar cómo una interminable canción de una sola nota se desprende de ese inmenso cuerpo fluvial. Tal nota equivale al sí de la escala de Occidente y reporta infinita paz a quien la percibe.
Esta visión contemplativa y espiritual del río la vemos refrendada en la extraordinaria novela "Siddhartha", en donde el autor suizo Hermann Hesse (Premio Nobel de Literatura en 1946) nos describe cómo el protagonista Siddhartha y su amigo Vasudeva alcanzan la Iluminación –el preclaro estado de budeidad- al oír la Voz plural del río:
"Aunque muchas veces había escuchado esa infinitud de voces del río, esta vez le parecieron nuevas. Pronto no pudo distinguir ya las voces alegres de las llorosas, las infantiles de las varoniles, todas se les confundían y entremezclaban… Y cuando Siddhartha escuchaba atentamente ese río, aquel canto orquestado por miles de voces, entonces, la gran canción de las mil voces se reducía a una palabra, y esa palabra era OM, la Perfección". En ese mismo sentido, muchos sabios del Oriente han equiparado el Nirvana a la gota (del ego) que se disuelve en el océano (de la Conciencia Absoluta).
En todo caso, el amable lector o lectora no precisa trasladarse a tierras hindúes o chinas para beneficiarse del sedativo efecto que tiene el sonido del agua sobre nuestra psique. Basta allegarse a un balneario, río o lago cercano; distenderse sobre la mullida hierba de una vera o sobre las finas arenas de una playa; cerrar los ojos tal como lo hicieran el sabio Siddhartha y su colega Vasudeva; y, finalmente, comprobar lo que antiguos místicos y modernos psicólogos han corroborado: que el escuchar el plácido sonido del agua nos retrotrae a realidades fascinantes, trascendentales.
En la práctica espiritual del Oriente existe un viejo axioma que dice: "El sonido es vibración; la vibración es energía". Algunos sonidos nos sosiegan; otros nos aturden; algunos nos pacifican, energizan; otros nos alienan; el sonido del agua es sagrado porque, tal como lo ha comprobado la ciencia, la vida –en nuestro plano físico- surge y se nutre del líquido elemento… y sin él, la existencia es imposible; por ello, el sonido, la vibración y la energía transmitidas por el agua son sinónimos de vida... ¡y en lo más íntimo de nuestros genes y de nuestra memoria celular lo sabemos!
De tal suerte, meditar con la vibración del agua se convierte en una plegaria silenciosa que acalla el barullo de la mente y nos recuerda ese océano primordial en el que evolucionaron las especies del planeta hace unos tres mil millones de años; nos devuelve –además- a ese tranquilo estanque uterino en el que fuimos acunados con irrepetible candor; y, por supuesto, nos reconecta con ese Yo Superior, ese Padre-Madre del todo armonioso, que filtra Su sabia Voz tanto en la furiosa ola que golpea a la roca como en la leve gota de llovizna veraniega que impregna nuestro rostro.

El agua como obra musical

Y así como el vital líquido tiene su propia e inherente musicalidad, los grandes compositores de todas las épocas se han inspirado en él para deleitarnos con algunas de las más conmovedoras piezas artísticas que haya concebido el espíritu humano.
Desde las antiguas canciones marineras –en las que celtas, vikingos, griegos o romanos vertían sus cuitas y alegrías, implorando protección a las deidades oceánicas- hasta composiciones sinfónicas de la talla de "Las Fuentes de Roma", obra del genio italiano Ottorino Respighi, el agua ha sido manantial de inspiración para los músicos de todos los tiempos, haciendo vibrar nuestra sensibilidad.
En el campo de la música académica, el agua es un tema que tiene dilatada tradición: compositores como el austriaco Johann Strauss ("El Danubio Azul"), el francés Maurice Ravel ("Juegos de Agua"), el inglés Edgard Elgar ("Estampas Marinas"), el alemán Richard Wagner ("El Holandés Errante") y el francés Claude Debussy ("El Mar") le han dedicado grandes obras orquestales. Destacan también dentro de esta temática las famosas piezas de los alemanes Georg Philip Telemann y Georg Friedrich Häendel –tituladas ambas "Música Acuática"- altas cimas del barroco musical.
En el ámbito de la música popular, resulta imposible inventariar el gran número de canciones que le cantan al agua; destacaremos aquí algunas que –por su belleza poética- nos han causado honda impresión.
Joan Manuel Serrat, el conocido cantautor catalán, nos ha dejado estos versos en su disco "Utopía":
Si el hombre es un sueño
El agua es el mundo
Si el hombre está vivo
El agua es la vida
Si el hombre es un niño
El agua es París
Si el hombre la pisa
El agua salpica
Cuídala
Como ella cuida de ti

Simón Díaz, indiscutido decano de la canta tradicional venezolana, ha descrito el tormento del amor romántico como la lucha entre las fuerzas del aire (la garza) y el agua (el caudaloso río):
Yo vide a la garza mora
Dándole combate al río
Así es como se enamora
Tu corazón con el mío

El cantautor argentino Luis Alberto Spinetta –quizás el mejor letrista que jamás haya tenido el rock en español- nos describe cómo la lágrima de una triste despedida se transforma, a orillas del Río de La Plata, en un pétalo muy singular:
Lenta bruma cansada de dar al muelle
No veo paisajes más que este mar
Que su viento devuelva la vida y la calma
Y vea sus barcas volver de luz
Tu sombra hiende la distancia
Es como un pétalo de sal…
Y así podríamos citar centenares de hermosas canciones como la famosa "Gotas de Lluvia Caen sobre mi Cabeza" del norteamericano Burt Bacharah o aquella balada en la que su paisano Paul Simon define a la amistad como "Un puente sobre aguas turbulentas".
Sin embargo, por bella que sea, ninguna composición o poema podrá sustituir al suave susurro del agua de los arroyos, al cristalino tintineo de la gota que cae desde la estalactita de una caverna o al jubiloso fluir del líquido que baila en las fuentes de las plazas.
A estos entrañables sonidos se han sumado otros más inquietantes, generados por el calentamiento global: el fantasmal goteo del permafrost, la capa hielo que ha cubierto a la tundra siberiana durante millones de años y que ahora tiende a derretirse; el estruendo que producen los nuevos mega-icebergs –algunos tan grandes como islas caribeñas- cuando se separan del menguante continente antártico; el quebradizo chispeo del casquete polar del Norte, cuyos flotantes hielos podrían desaparecer en pocas décadas si no ponemos rápido coto a nuestros abusos ambientales.
La música del agua es anterior al ser humano; sólo de nosotros depende seguir escuchándola. No acallemos su bella voz, porque su canto es el sostén de la Vida.

Este artículo es un valioso aporte de Carmelo Urso, para Educación Musical en Venezuela

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